La Galleria Borghese a Roma

Quasi cento passi fuori di Porta Pinciana è situata verso oriente la Villa Borghese, la quale parte in pianura, parte in valle, parte in piacevoli salite, mostra nell'ampiezza e varietà del sito, nella maestà delle fabbriche, nella coppia delle acque e nelle opere di pittura e scultura, di non aver che invidiare agli antichi orti famosi dei più nobili romani. Sono le parole di una vera e propria guida turistica, scritta nell'anno di Giubileo 1650 dal curatore e custode della casata dei Borghese, Jacomo Manilli. Roma si prepara ad accogliere con le sue bellezze visitatori da ogni parte d'Europa e la Galleria Borghese, a quei tempi Villa Borghese fuori di Porta Pinciana, è una delle maggiori attrazioni dell'urbe, la più stupefacente, la più moderna. Un tempio dell'arte, una palestra per gli artisti, un MoMA per il secolo XVII. Villa Borghese non è solo un luogo di delizia, è il sogno ambizioso di un collezionista senza scrupoli che consegna al mondo uno dei più meravigliosi musei. Quando Jacomo Manilli scrive, invitando i visitatori a iniziare la visita dal magnifico giardino, l'artefice della villa non c'è più. Intatto è però lo stupore di fronte a quella meraviglia giunta fino a noi. La palazzina di Villa Borghese venne fatta costruire da Scipione Borghese, uno dei protagonisti dell'arte a Roma all'inizio del Seicento. Scipione è il cardinal nipote del Papa Paolo V Borghese. E' salito al Soglio Pontificio nel 1605 e renderà fino al 1621. Arrivare al Trono Pontificio voleva dire poter disporre liberamente di una quantità di risorse enormi. Facciamo un esempio concreto. Quando Paolo V diventa Papa, una delle tante cose che fa è quella di garantire che tutto quello che verrà trovato durante gli scavi necessari alla costruzione della Basilica di San Pietro potrà essere incamerato dalla sua famiglia. Paolo V è attivissimo sulla scena romana in campo artistico ed architettonico. Tutti coloro che vanno a San Pietro vedono scritto infatti sul fronte della facciata il nome di Paolo V Borghese. Il Pontefice ha la prerogativa di nominare un cardinal nipote, ossia il suo braccio destro, un uomo a cui affidare gli affari più importanti dello Stato. Paolo V sceglie proprio suo nipote Scipione, figlio di sua sorella, che così non ancora trentenne, indossa la purpura e si prepara a servire lo zio. Il cardinal nipote è la personalità sulla quale vengono riversate una serie di incarichi e moltissime ricchezze, ma soprattutto un ruolo fondamentale è quello di costruire l'identità stessa della famiglia, soprattutto attraverso la costruzione di luoghi di grande magnificenza. Noi sappiamo bene come Scipione non fosse adatto alla politica, in questi aspetti della sua attività Scipione forse fu quasi fallimentare. Scipione però aveva una passione bulimica, diremo oggi, per le arti figurative e Scipione comincia a collezionare, ad acquistare, a commissionare opere d'arte. Compera intere collezioni di antichità che si erano andate creando nel Rinascimento e così la galleria è veramente piena di sculture all'interno, ma anche, non dimentichiamolo, all'esterno. Tutto l'esterno della villa era decorato con rilievi e frammenti antichi. Opere che vengono dal passato e insieme a questo tantissime commissioni ad artisti contemporanei. Ma le opere d'arte, per quanto preziose, potrebbero non essere sufficienti per una famiglia di recente nobiltà come i Borghese. Se voi andate, per esempio, a vedere il palazzo che i Farnese realizzano a Roma, trovate delle grandi pitture di storia, dove certo c'è il collezionismo nelle sale, ma c'è soprattutto un'attività mecenatesca che chiede alla grande pittura, ai grandi personaggi, di raccontare le glorie della famiglia. Ora, certamente i Borghese non hanno alle spalle una storia come quella dei Farnese o di altre famiglie, ma venendo a Villa Borghese non troviamo come tema dominante la storia della famiglia Borghese. Quello che Scipione Borghese vuole raccontare qui è una gloria presente. Quello che Scipione Borghese fa con la villa è un atto politico, crea un'opera unica di collezionismo che non ha pari a Roma. Quando si parla della ricchezza, quando i commentatori veneziani e italiani vengono a Roma e vedono le glorie della famiglia Borghese, parlano subito della collezione. Dalla sua Scipione ha il vantaggio di muoversi in un momento davvero irripetibile. Un decennio favoloso per la storia dell'arte. A Roma nello stesso momento c'è Nibali Carracci, c'è Caravaggio, ci sono gli artisti stranieri, passa Rubens. Quindi tutti questi grandi artisti fanno di Roma quella che verrà definita la scuola del mondo, un luogo dove non si può più evitare di andare. A Roma si poteva studiare l'antico, si possono studiare le grandi opere del rinascimento di Raffaele Michelangelo, ma soprattutto si può stare gomito a gomito con le più grandi personalità del momento. Tra gli artisti preferiti di Scipione c'è Guido Reni, uno dei più grandi del suo tempo. Per il Cardinale il pittore bolognese realizzerà uno dei suoi massimi capolavori. L'affresco con il carro di Apollo sulla volta del Casino dell'Aurora, un altro luogo di delizia e svago di Borghese. L'Aurora di Guido Reni è forse l'apice della committenza di Scipione Borghese a un pittore, a un pittore vivente, a un pittore che stava a Roma in questo momento. Da un altro punto di vista Scipione Borghese è stato considerato dalla storiografia un collezionista quasi insaziabile, un collezionista che raccoglie ogni tipo di opera, quasi da tutte le epoche, ogni volta che può, non trascurando nessuna occasione e come se non avesse in realtà un orientamento preciso, ma volesse soprattutto riempire di opere d'arte e di inestimabile valore e di grandissimo impatto per i contemporanei e le residenze che man mano andava costruendo. Per riempire questi meravigliosi spazi e saziare il suo desiderio di possesso Scipione è disposto a tutto. Il Cardinal Borghese nel realizzare la sua collezione ricorre a metodi che erano forti anche per l'epoca, non solo per i nostri parametri, per ottenere la caccia tediana del Domenichino, far restare il pittore stesso, per portare qui la Madonna della Serpe di Caravaggio e più il Papa che interviene, dicendo che le ragioni teologiche del quadro erano discutibili, per cui l'opera, che peraltro rientrava perfettamente in alcuni canoni che il pensiero teologico dell'epoca aveva riconosciuto, viene tolta dalla cappella di San Pietro dove era stata appena collocata e portata appunto nelle collezioni borghese. Pensiamo al fatto che lo stesso Piedorelli a un certo punto preferisce allontanarsi per un momento, cioè quello di Scipione Borghese non è un vero e proprio mecenatismo, è più un collezionismo compulsivo, bulimico, non alieno, a forme anche violente, pur di ottenere quello che vuole. D'altronde il Cardinale non fa che applicare alla sua passione di collezionista gli stessi metodi brutali che adotta in politica estera, come l'assassinio mirato. La sera del 5 ottobre del 1607, nel buio di una calle veneziana, cinque uomini armati di coltelli si avventano su Fra Paolo Sarpi, strenuo difensore dell'autonomia della Serenissima dall'Emire Pontifice. Miracolosamente Paolo Sarpi non muore, ma sappiamo che colui che tira questa stilettata che gli attraversa la testa e lo lascia miracolosamente vivo è un tal Poma, che era un mercante veneziano che stava, dove? A Roma, all'accordo di Scipione Borghese, quindi era pienamente consapevole di questo evento. In una cosa però il Cardinal Scipione non è originale. Come collezionista si ispira a un suo predecessore, il Cardinale Pietro Aldobrandini, nipote di Papa Clemente VIII. Pietro aveva messo le mani sulle collezioni degli Estensi, la potente famiglia ferrarese, e soprattutto sul sensuale Baccanale degli Andrii dipinto da Tiziano. Scipione vuole emularlo a tutti i costi. Questo spiega anche perché nella collezione attuale della Galleria Borghese ci siano così tanti dipinti che provengono da Ferrara. Dipinti di Dossodossi, dipinti di Garofalo, dipinti anche di Scarzellino, quindi di artisti ferraresi contemporanei. Questo è un aspetto che ci parla proprio di questo amore e di questo desiderio di avere delle opere rinascimentali all'interno della collezione che potessero essere dei termini di paragone per le opere degli artisti contemporanei. La collezione di Scipione si arricchisce quindi di dipinti provenienti da aree geografiche diverse. A Firenze il Cardinale mette mano su una delle più raffinate opere del pittore manirista Agnolo Bronzino, il San Giovanni Battista. Il dipinto è probabilmente un ritratto di Giovanni di Cosimo, uno dei figli del Granduca di Toscana Cosimo I de' Medici, elevato alla porpola cardinalizia poco più che sedicenne. L'opera che lo rappresenta nelle vesti del patrono di Firenze celebra questo momento importante della sua vita. Il dipinto è attestato nella collezione di Scipione dal 1610 e con la sua sofisticata eleganza testimonia il gusto ricercato del Cardinale. In questo quadro si inserisce sicuramente anche la presenza nella collezione attuale della Galleria Borghese di un capolavoro straordinario che è la deposizione di Raffaello. La deposizione di Raffaello, come in noto, era stata commissionata al giovane pittore di Urbino quando questi si trovava a Firenze fra il 1504 e il 1508 da Atalanta Baglioni per la sua cappella nella chiesa di San Francesco a Perugia. Da qui Scipione Borghese la fa trasportare a Roma nella sua collezione. Quindi si tratta veramente di un furto. Il Cardinale non incrementa la sua collezione solo rubando. Incamera con le buone o con le cattive intere raccolte come accade con quella del Cavaliere D'Arpino. Il Cavaliere D'Arpino è un artista che si era affermato alla fine del Cinquecento e che era diventato uno degli artisti più importanti del pontificato di Clemento Ottavo Aldobrandini. È un pittore che aveva una bottega molto densa di arrivi di continui e giovani talenti. Nella sua bottega c'erano molti pittori stranieri che erano degli specialisti di paesaggio e nella sua bottega passò anche Michelangelo Merisi da Caravaggio. Come il Cardinale, il Cavaliere D'Arpino usa metodi spicci. Arriva addirittura a ordinare lo sfregio di un pittore rivale. Una scelta ascellerata che insieme all'accusa di detenere illegalmente armi porta alla confisca della sua ricca collezione. I beni dovrebbero passare allo stato della Chiesa. Finiscono invece direttamente nelle mani del Cardinal Scipione. Entrano così nella collezione alcuni dei più famosi dipinti della galleria. Il Bacchino malato e il Giovane con canestra di frutta, opere giovanili di Caravaggio. Le altre opere che si trovano qui giunsero a Scipione Borghese invece forse direttamente da parte di Caravaggio. Per lo meno si pensa che gli sia stata inviata questo meraviglioso dipinto del Davide con la testa di Golia. Un dipinto molto drammatico, chiaroscurato, contrastato con l'immagine in primo piano che ha questa testa del gigante Golia in cui Caravaggio raffigurò se stesso e che probabilmente venne direttamente mandata al Cardinal Nipote dall'artista dopo che era dovuto fuggire da Roma in seguito all'omicidio di Ranuccio Tommasoni. La presenza invece di Scipione Borghese senz'altro si fa sentire molto di più, soprattutto nel corso del 1610 proprio l'anno della morte di Caravaggio in cui Scipione scrive anche delle lettere per cercare di capire che fine abbia fatto questo pittore cercando anche di capire che fine abbiano fatto i quadri che il pittore aveva con sé. Tale è il peso di Caravaggio nella collezione di Scipione da aver suscitato nel tempo quesiti affascinanti. Vi sono due nature morte che fino agli anni 60-70 avevano due attribuzioni diverse una a un pittore addirittura della fine del Settecento e una a un pittore olandese della fine del Seicento. Una rappresenta dei vegetali fiori, strani frutti e l'altra delle figure di uccelli morti. Federico Zeri studia queste nature morte e pensa che siano molto più antiche che risalgano agli inizi del Seicento ma soprattutto è in grado di metterle in connessione con un documento che era già noto e cioè il famoso sequestro della bottega del Cavaliere d'Arpino ordinato proprio da Scipione Borghese. La sua idea è che possano essere le primissime opere romane siamo nei primi anni 90 del giovanissimo Caravaggio. L'ipotesi non è stata completamente accettata rimane comunque il fatto che grazie a queste ricerche noi sappiamo che alla Borghese ci sono anche due degli incunaboli degli inizi della storia della natura morta italiana. C'è un aspetto della collezione che adesso il visitatore percepisce un po' come marginale che è sicuramente il dialogo che c'è stato ed è stato importante tra Scipione Borghese e Peter Paul Rubens un artista fiammingo che arriva in Italia nel primo decennio del 600 poi con un breve anche soggiorno spagnolo. Il rapporto di Rubens con Scipione diventa fondamentale anche il rapporto all'antico perché Rubens in questo arco di anni tra 1607 e 1608 in realtà probabilmente assiste in presa diretta alla creazione di questa meravigliosa collezione. Abbiamo in questo caso importante, straordinario della fortuna visiva che Rubens accorda al Seneca morente. Rubens la raffigura in disegni e poi la fa raffigurare in incisioni e poi la raffigura in due addirittura opere pittoriche. Rubens ovviamente la sua produzione è come dire un lasciapassare straordinario per tutto quello che è la cultura, la formazione degli artisti oltre le Alpi, quindi un'opera antica della collezione borghese celebrata da Rubens assicura a quest'opera una visibilità, un'importanza una necessità per tutti gli altri artisti di vederla dal vivo di riprenderla in disegni e quindi la fortuna dell'antico nella collezione borghese passa anche attraverso Rubens. Se Rubens si fa portavoce della collezione borghese rendendola famosa in Europa sarà un grande protagonista della scena romana a legare il proprio nome alla galleria Gian Lorenzo Bernini. Quando è ancora un adolescente a 16 anni o poco più Gian Lorenzo lega il suo nome a una magnifica scultura ornamentale che si trova ancora oggi a Galleria Borghese la capra amaltea nella leggenda è la docile capra che le ninfe mungono per nutrire Zeus bambino anche se qui a bere il latte da una ciotola è il piccolo fauno per molto tempo questa scultura dal soggetto antico è stata attribuita al giovane Bernini forse si tratta davvero di una scultura antica rielaborata dal giovanissimo Gian Lorenzo e adattata al gusto dell'epoca per molto tempo però nessuno ha dubitato dell'attribuzione al Bernini poco più che adolescente è la prova della sua capacità fuori dal comune di creare opere che eguagliano e a volte superano quelle degli antichi un artista così grande da creare enigmi che ancora oggi non riusciamo a sciogliere delle sue straordinarie doti scriverà suo figlio Domenico Vinto aveva la difficoltà di rendere il marmo pieghevole come la cera e aver con ciò saputo accoppiare in un certo modo insieme la pittura e la scultura alla mano di Bernini Scipione affiderà anche il compito di tramandare ai posteri la sua immagine i due busti che raffigurano Scipione Borghese scolpiti da Gian Lorenzo Bernini che si trovano oggi in galleria sono opere del 1633 quindi delle opere tarde vicine anche al momento della morte di Scipione che avvenne proprio nel 1633 qualche studioso giustamente ha pensato che sia stato proprio Scipione a scoprire il talento molto precoce di questo scultore che per noi è il genio del barocco è il protagonista indiscusso del barocco senza Gian Lorenzo Bernini forse anche proprio la definizione di barocco, di scultura del barocco non potrebbe esistere il padre era Pietro Bernini che aveva lavorato per Paolo V quindi la bottega di Pietro Bernini in cui lavora anche il giovane Gian Lorenzo era una bottega che già era attiva per i borghese lì ci sono le prime affermazioni di questo talento geniale di Gian Lorenzo Scipione coinvolge Pietro nell'esecuzione di molte statue probabilmente di statue da giardino nel restauro di marmi antichi e in statue da giardino nel secondo decennio del 600 Pietro ha accanto il figlio Gian Lorenzo che acquista un vuolo sempre più forte dentro la bottega paterna e sono proprio insieme Pietro e Gian Lorenzo sul finire del secondo decennio quindi verso il 1618-19 che non ne siamo sicuri ma ci piace immaginarlo sono proprio loro a proporre a Scipione Borghese l'idea di eseguire dei grandi gruppi dei gruppi monumentali da galleria gruppi moderni noi non dobbiamo dimenticare che allora quella che oggi chiamiamo Villa Borghese che era appena stata costruita era il luogo che ospitava solo sculture antiche le sculture moderne, quelle di Pietro erano appunto relegate al giardino ma scoprire la qualità straordinaria di Gian Lorenzo fa sì che da subito egli voglia come dire entrare in gara con gli antichi e quindi realizzare grandi gruppi da galleria per l'interno. Fino a quel momento a Roma non c'erano state grandi sculture per l'interno le sculture degli scultori moderni erano ritratti o erano sculture da chiesa ecco che con il giovanissimo Bernini neppure ventenne entrano nella galleria le sculture moderne accanto a quelle antiche in competizione di quelle antiche e nel giro di pochissimi anni la Polle Daphne viene consegnata nel 1625 viene messa a punto un ciclo che rinnova completamente la storia della scultura europea nel 1680 Bernini muore dopo la sua scomparsa il barocco perde via via la sua attrattiva con la riscoperta dell'antichità classica si impone una nuova stagione dell'arte il neoclassicismo l'artificio di questa visione è un tedesco a cui il papa assegna carta bianca in materia di politica culturale seguendo questi dettami un discendente di Scipione ridisegna complessivamente la villa rimasta sostanzialmente intatta per quasi 150 anni creando anche un nuovo allestimento per le sculture di Bernini il suo nome è Marcantonio IV Borghese un principe di grandissima liberalità, di grandissima magnificenza interessatissimo alle arti che si affidò ad un architetto geniale oggi molto poco conosciuto Antonio Sprucci il quale ridisegnò integralmente tutto quanto l'aspetto degli interni della palazzina che era stata di Scipione Borghese passando dall'idea di una collezione, di un luogo dove gli oggetti sono collocati per l'esclusivo piacere del proprietario, dei suoi amici a un luogo invece che impone già un percorso una serie di tappe preordinate stiamo cioè passando al museo moderno non dobbiamo dimenticare che è nella Roma del 700 che nascono i primi veri musei il Museo Capitolino negli anni 30 e proprio negli anni in cui Marco Antonio lavora alla villa il Museo Pio Clementino questo fu un momento di grandissimo dispiego di progettazione di idee e anche di nuove idee sull'allestimento e quasi la creazione di un museo settecentesco, di un luogo in cui si potessero esporre le opere d'arte che andavano dall'antichità fino agli aspetti invece della collezione barocca sia dal punto di vista delle statue che degli oggetti che dei dipinti in un sistema decorativo equilibrato ed armonioso in poco più di vent'anni Marco Antonio mette insieme sotto la guida dell'architetto Antonio Asprocci una serie di maestranze pittori, scultori stuccatori, bronzisti che decorano la villa ma la decorano in un modo tale che diventa uno dei grandi prototipi della decorazione neoclassica in Europa creando sale con i temi la sala egizia ad esempio cioè la sala dove vengono ospitati pezzi di marmo oggetti che provengono dall'antico Egitto ogni sala viene costruita per quello che riguarda la decorazione sia delle pareti che delle volte ma anche proprio degli elementi decorativi mobili a partire da un pezzo principale che viene isolato e viene posto su un basamento al centro della stanza forse l'ambiente che è ancora più leggibile dopo l'intervento di Antonio Asprocci è la sala dell'ermafrodito un soggetto della poesia antica tratto dalle metamorfosi di Ovidio che raccontava proprio la storia di Salmace ed Ermafrodito di questa ninfa che aveva chiesto agli dèi di non lasciare che il loro due si separassero nonostante fosse stata rifiutata da questo personaggio e che quindi acquisirà nel suo corpo i caratteri sia maschili che femminili Nella sala dell'ermafrodito dedicato appunto a questo personaggio mitico dell'antichità si trovavano sia un ermafrodito disteso il cui materasso era stato addirittura scolpito da Gian Lorenzo Bernini che è la statua che adesso si trova a Louvre a Parigi e anche un ermafrodito stante un'altra diciamo variante di questo soggetto sempre una variante antica anche questo adesso a Louvre Mentre quello che vediamo oggi è un'opera antica acquistata per sostituire la versione ceduta in epoca napoleonica E' curioso che questa storia di decorazione con Marcantonio parta ancora tutta barocca la Roma degli anni settanta era ancora una Roma tutta barocca e lo vediamo quando entriamo alla Galleria Borghese il grande salone che ci accoglie è decorato nel soffitto da un affresco di un pittore che si chiama Mariano Rossi che è ancora un affresco completamente barocco nello stile di Pietro da Cortona dove il cielo sembra aprirsi Se Mariano Rossi sfonda la volta del salone con un cielo aperto Antonio sprucci e scogita una trovata ancora più ardita far precipitare dall'alto di una parete un cavallo e il suo cavaliere racconta Tito Livio che anticamente nel foro romano si era aperta una voragine che cresceva e cresceva minacciando di inghiottire tutta Roma solo sacrificando il loro bene più prezioso i romani avrebbero salvato la città ritenendo che questo fosse il coraggio Marco Curzio si era aggettato nella voragine ingroppa al suo cavallo Il cavallo è un cavallo antico che proviene dagli scavi di Tivoli e invece il cavaliere è un cavaliere commissionato da Scipione Borghese a Pietro Bernini quindi al padre di Gian Lorenzo Bernini Grazie a Marco Antonio Borghese e ad Asprucci Roma è ancora una volta un centro propulsore Roma nel settecento era soprattutto un museo, vi arrivavano gli stranieri per ammirare le cose che erano state fatte, create in passato a Roma ma questo cantiere di Villa Borghese fa di Roma un centro all'avanguardia, lo studieranno molto gli architetti che lavoreranno per Napoleone, lo studieranno molto gli architetti inglesi Marco Antonio riesce a fare qualcosa di nuovo e oggi noi abbiamo un complesso assolutamente omogeneo dove marmi e dipinti collezionati nel seicento rientrano in questa meravigliosa decorazione La galleria con le sue straordinarie collezioni è luogo di studio e di ispirazione ieri come oggi Durante il periodo più lungo del lockdown ho sentito l'esigenza per un lavoro che sto facendo assieme a un grandissimo fotografo italiano Lorenzo Capellini su Parco dei Daini di rivedere la cosiddetta caccia di Diana del Dominichino l'idea è stata proprio quella non da storico dell'arte, ma proprio di utente del museo, di ricavare un'immagine con Lorenzo e trasportarla in un organo di senso completamente diverso, che non è più un museo, è un libro di memorie sulla mia infanzia Questo quadro è datato 1616 è un bellissimo soggetto pagano è una delle opere più sensuali che mi è capitato di quasi al limite tra mitologia e pornografia in qualche maniera soprattutto nel trattamento di queste meravigliose ninfe del corteo di Diana Questo è un pittore che mi ha sempre affascinato un po' anche per una malinconia esistenziale c'è un rapporto malato, sbagliato con la comunità dei pittori, i suoi contemporanei, si sente sempre defraudato di commissioni di affreschi che voleva avere, che in qualche maniera gli vengono tolti, insomma quello che ne viene fuori è una meravigliosa personalità diciamo di depresso, lievemente paranoide, oppure probabilmente anche di qualcuno che ha subito realmente delle ingiustizie Dobbiamo calcolare sempre le date, sono illuminanti nella storia dell'arte pochi anni prima qui c'è stato forse il concorso di geni più grande che si è realizzato nella storia della pittura mondiale, perché è una città segnata dalla presenza contemporanea di Caravaggio, Velázquez e Rubens ritagliarsi diciamo la propria grandezza anche se appunto è una grandezza sofferta una grandezza che psicologicamente non si sente riconosciuta il che crea una particolare categoria di artisti quello che proprio ha coscienza della sua forza, ma sa che la società non la riconosce pienamente, questo gli crea un dolore crea il dolore della scissione tra l'artista e il suo mondo è un dolore enorme perché si ripercuote anche nella maniera poi di operare nel proprio campo dall'altra parte della bilancia c'è come qualcosa che è una piuma perché l'opera è qualcosa di, anche se ha la sua materialità è leggera è un'immagine mentale del mondo è una versione credibile del mondo che nasce dall'arbitrio, però in qualche maniera noi guardando questo quadro abbiamo la sensazione che la bellezza di quest'opera riequilibria magicamente la pesantezza della vita dell'artista uno scrittore come Emanuele Trevi può farsi ispirare oggi dalla caccia di Diana del Domenichino grazie alla rapacità di Scipione Borghese che ha voluto avere l'opera a tutti i costi ma sono moltissimi tesori della collezione del Cardinale che non sono più visibili in galleria perché hanno acceso la brama di un uomo ancora più rapace Napoleone Napoleone si ritiene un uomo che ha cambiato l'Europa e che ha chiuso il Sacro Romano Impero ha chiuso una storia che era iniziata migliai anni prima si collega direttamente alla classicità a quel mondo classico greco, romano, che era il mondo delle libertà degli antichi. La rivoluzione guarda il classicismo e quindi anche il portare questo pezzo di Roma antica a Parigi ha tanti sensi che sono culturali sicuramente ma sono antipolitici e che si leggono solo se ne mettiamo nella luce di quello che era l'idea imperiale di Napoleone Nel 1810 Antonio Canova si recca a Parigi incontra Napoleone e pare che uno degli argomenti di discussione sia stata la vendita appena avvenuta delle antichità borghese alla Francia Noi sappiamo quanto questo face arrabbiare Canova che ha parole durissime contro questa vendita accelerata dice che su questo la memoria della famiglia sarà esecrata in eterno Sappiamo bene che questa raccolta non rientrerà in Italia Oggi il Louvre dedica una sezione del museo alle antichità borghese ma non sono così chiari i caratteri della vendita Poniamoci una domanda Camillo Borghese poteva rifiutarsi realmente di vendere la collezione? Di fronte ad un imperatore che ti dice voglio comprarti la collezione dietro c'è Vivant Denon che la vuole comprare per il museo Napoleon che poi sarà museo del Louvre e a valutarla viene chiamato Visconti uno che la conosceva molto bene il quale fa una valutazione che poi Napolone triplicherà per favorire questa vendita era difficile pensare che potesse opporsi un atto del genere Quel che è certo è che Camillo sente molto l'ombra di questa accessione alla Francia di questo nucleo straordinario di opere e cercherà come dire di risarcire la collezione acquistando sul mercato delle opere ad esempio la mitica Danae di Correggio che compra ad un'asta in Francia sul mercato e lì lo acquista Camillo e lo porta alla Galleria Borghese dove ancora oggi è una delle gemme della pittura del Rinascimento insieme all'amor sacro e all'amor profano di Tiziano Se con l'acquisto della Danae Camillo rimpolpa decisamente la collezione con un'altra opera consegna alla Galleria un capolavoro conosciuto in tutto il mondo, il ritratto di Paolina Bonaparte nelle vesti della venere vincitrice Canova non amava fare ritratti, Canova non amava proprio i ritratti e quindi aveva trovato questa formula questa idea del ritratto divinizzato, ritrarre un personaggio sotto le spoglie di una divinità e cosa sceglie per Paolina la bellissima, spregiudicata sorella di Napoleone sceglie l'idea di rappresentarla come venere vincitrice, cioè la venere che appena ha ricevuto da Paride il pomo, simbolo della sua vittoria Camillo Borghese e Paolina Bonaparte si sposano nel 1803 è l'inizio di quella che potrebbe essere una grande storia d'amore, inizialmente i due vanno d'amore d'accordo quindi potrebbe essere una grande storia ma non lo sarà i due in breve scoprono che non basta la passione, i due hanno caratteri troppo diversi, in breve i due si separano e si separano neanche tanto bene tant'è vero che si incontreranno ancora qualche volta, ma tendono a vivere vite completamente separate Antonio Canova sicuramente si ispira dal punto di vista formale, anche a delle opere che poteva aver visto nella collezione dei Borghese e certamente per esempio all'immagine dell'ermafrodito disteso per quello che riguarda questo incrocio delle gambe per Canova e per il mondo neoclassico la bellezza aveva la forza di civilizzare il mondo vi è anche una lettera piuttosto bella di Paulina che scrive al marito invitandolo a non mostrare più la statua a visitatori, a destrani perché dice questa statua è nata per il vostro piacere in questo momento questo piacere non esiste più perché noi non siamo più sposati e la statua non deve essere mostrata ad altri e in qualche modo qui metteva in gioco un tema che ha molto appassionato l'ottocento e anche il novecento e cioè se Paulina che nella statua viene mostrata seminuda abbia posata lei stessa o meno per questa statua ma c'è ancora un'ultima fase nella storia di Villa Borghese si apre con la riunificazione dell'Italia e ci consegna la galleria che oggi conosciamo sappiamo che dopo l'ingresso dei piemontesi a Roma e quindi dopo che Roma è divenuta capitale d'Italia molti dei principi appartenenti all'antica aristocrazia papalina si lanciano in speculazioni finanziarie soprattutto in speculazioni edilizie uno di questi è il principe Borghese e sappiamo anche che negli anni ottanta dell'ottocento il principe Borghese è in rovina la novità può reagire come? come fanno anche tante famiglie di altri paesi vendendo gioie di famiglia che per famiglie italiane sono spesso grandi quadri sono quegli anni in cui in maniera a volte legale, a volte un po' meno legale grandi opere italiane prendono la strada di collezioni americane, inglesi persino australiane troviamo opere italiane che vanno in tutto il mondo a quel punto viene presa la decisione di vendere la villa noi sappiamo che il segretario del principe scrive a uomini del governo italiano dicendo l'importante appunto è che queste cose rimangano di godimento pubblico in Italia o all'estero, ma naturalmente lo Stato italiano vuole che queste cose rimangano in Italia lo Stato italiano ha la grande opportunità di acquistare il patrimonio artistico raccolto nei secoli in 300 anni dai borghese ed è una grande opportunità lo Stato italiano riesce acquistando le collezioni borghese a garantire all'Italia un patrimonio che è veramente un patrimonio identitario di questa nazione viene fatta una valutazione della villa e intorno alla fine degli anni Ottanta i borghese avevano dovuto addirittura vendere il palazzo la vendita del palazzo aveva determinato lo spostamento della galleria, dei dipinti i dipinti in quel momento vengono portati nella villa e quindi a partire dall'inizio degli anni 90 dell'Ottocento nella villa noi abbiamo le sculture antiche le sculture moderne e la collezione di dipinti vengono fatte delle valutazioni vengono chiamati i più importanti storici dell'arte italiani e stranieri e queste valutazioni sono abbastanza impressionanti perché riflettono il gusto del momento ad esempio pensiamo che il capolavoro assoluto è l'Amor Sacro e l'Amor Profano di Tiziano stimato due milioni di lire una cifra enorme, tenete presente che alla fine la villa verrà pagata, la villa e tutti i suoi contenuti verranno pagati 3 milioni e 600 mila lire Finalmente nel 1901 lo Stato riesce ad acquistare la villa l'anno successivo anche il parco diventerà parte del bene pubblico e in Parlamento si dirà che in questo modo lo Stato ha acquistato quella che era la più importante galleria privata del mondo Possiamo quindi pensare ai primi anni del Novecento, in particolare al 1902 come l'inizio di questa nuova fase di vita della collezione che era stata di Scipione Borghese, un museo che man mano nel corso del Novecento diventerà sempre di più una sorta di museo del Barocco e in particolare il museo di Bernini Un luogo in cui veramente si può comprendere come nacque il Barocco è una stagione che certamente influenzò dal punto di vista urbano anche la città di Roma ma tutta quanta l'Europa e anche è un luogo prezioso per comprendere questa città ma la nascita stessa del museo e di che cos'è il legame profondo dei nostri musei italiani con la storia del collezionismo e la storia dell'arte dei secoli passati