10-12 Veronese

Ciao. Ora arrivo all'ultimo dei tre grandi artisti veneziani della mia trilogia. Paolo Veronese. Era un artista professionista dedicato. Dirigeva un ampio atelier a Venezia e ricevette numerose commissioni per tutta la vita. Avrebbe camminato attraverso questa zona poiché è cambiata poco dal XVI secolo. Viaggiatemi quindi attraverso alcuni particolari che potete distinguere In secondo piano, alla fine di Piazza San Marco, tre grandi pali mastodontici per bandiere. Hanno basi di bronzo decorate in alto rilievo da Alessandro Leopardi nel 1505, e sarebbero state sventolato la bandiera di San Marco nel periodo della Repubblica di Venezia, ma ora la e sventolano anche la bandiera italiana. Sono posizionati, come ho detto, alla fine della Piazza San Marco, di fronte alla Basilica di San Marco, e si riesce a scorgere appena uno dei cupolini sul lato destro. Di fronte a noi c'è il Campanile di San Marco, il torrione. Fu iniziato nel 1156, ristrutturata nel 1514, ma crollò nel 1902 e fu ricostruita nel 1912 come era prima, nello stesso posto. Quindi è una riproduzione della torre originale. In basso si vede un piccolo edificio. noto come Loggetta del Sansovino, costruito da Sansovino tra il 1537 e il 1546. Così sarebbe erano già stati completati al momento in cui Veronese giunse a Venezia nel 1553. E alla fine di San Marco Quadrato, ora puoi vedere le tre cupole della Basilica di San Marco. Fu iniziata nel 978 e consacrata nel 1117, quindi aveva già oltre 400 anni quando arrivò Veronese. Ora, questo intervento è a proposito di Veronese, ma bisogna ricordare che sto parlando dei tre grandi artisti a Venezia all'epoca, Tiziano, Tintoretto e Veronese, che vedete qui. Tutti e tre erano straordinari, ambizioso, ferocemente competitivo e in competizione reciproca per il primato. Ora, Veronese, a destra si trovava il più giovane di 10 anni, e dopo la morte di Tiziano, quando Veronese aveva 48 anni, Continuò a competere con Tintoretto per altri dozzina d'anni prima che Veronese morisse. Ora, anche se erano rivali, si ispiravano e si influenzavano a vicenda perché ciascuno di loro vide il lavoro degli altri e lo considerò come una sorta di stimolo per fare ancora meglio. Così, tutti contribuirono a questo enorme rinascimento artistico in corso a Venezia. Il loro focus, ovviamente, era il colore piuttosto che il disegno, che era il punto di forza di artisti come Raffaello. Michelangelo a Firenze e a Roma. Essi videro inoltre e promossero l'uso dell'olio su tela e la pittura su tela, che trasformò l'arte veneziana e, a suo tempo, tutta l'arte europea. Ora, Veronese fu chiamato Veronese perché era nato a Verona. Era il quinto figlio di un tagliapietre e, poiché i bambini spesso prendevano il nome dalla professione del padre, Si chiamava Paolo Speapreda, il cui nome significa "tagliapietra". Più tardi cambiò il proprio nome in Paolo Cagliari perché sua madre era la figlia illegittima di un nobile chiamato Antonio Cagliari. Si era formato come scalpellino, ma le sue doti nel dipingere non passarono inosservate. ha cambiato carriera e è diventato apprendista di un artista veronese, Antonio Bardile. Veronese era più tardi a sposare la figlia del suo padrone, Eleanor, ma ciò avvenne qualche tempo dopo, nel 1566. Ora, dopo appena alcuni anni con Bardile, passò a un altro importante pittore a Verona, Carotto, forse perché aveva superato la capacità di Bardile di insegnargli qualcosa di più. Ricevette commissioni a Verona e a Treviso, e già nel 1552 era abbastanza noto da ricevere una commissione per dipingere un altare per la cattedrale di Mantova. Poi, nel 1553, all'età di 25 anni, ricevette un incarico statale incarico per dipingere un soffitto nel Palazzo Ducale, un incarico molto prestigioso, quindi si trasferì lì e da allora raramente lasciò Venezia. Divenne il protetto di Tiziano e Tiziano spesso lo utilizzò lui nella sua rivalità con Tintoretto. Questo è uno dei primi lavori noti di Veronese. La conversione di Maria Maddalena, dipinta nel 1548, quando aveva appena 20 anni. Questo è prima che si trasferisse Venezia e dimostra che anche il giovane Veronese possedeva già questo talento precoce e lo dimostra già lo stile maestoso che svilupperà nella sua maturità. In effetti, non si limita a suggerire, è il suo stile maturo stile. L'aveva già sviluppato a un'età molto giovane. Ciò che mostra è il momento quando Maria Maddalena, ispirata dall'insegnamento di Cristo, rinuncia alle sue ricchezze mondane e Veronese ha ambientato la scena in questo sontuoso interno veneziano con Maria Maddalena vestita di l'altezza della moda veneziana del XVI secolo. Anche in questa fase iniziale, si può notare la sua abilità con il colore, i tessuti ricchi e le gemme, l'attenzione grandissima ai dettagli, la sua capacità di creare un senso di profondità e spazio attraverso l'uso di questi elementi architettonici. Uno interessante Un fatto riguardo a questo particolare dipinto è che originariamente era attribuito a Tiziano. Fu solo nel ventesimo secolo gli storici dell'arte l'hanno identificata con certezza come un'opera precoce di Veronese e penso che dimostri quanto possa essere difficile a volte distinguere tra le opere di Tiziano, Veronese e in certa misura Tintoretto. Osserva la maniera in cui ha disposto testa in modo da formare una specie di forma a V che scende verso Maria Maddalena. Sappiamo anche da analisi tecnica del dipinto che evidenzia come abbia modificato la composizione durante la pittura stessa. per esempio la posizione delle braccia di Maria Maddalena che mostra quanto fosse attento nel considerare la posa e i gesti, già in questa fase iniziale della sua carriera. Nel 1552 ricevette, come ho accennato, un importante incarico dal Cardinale Gonzaga per un altare in Cattedrale di Mantova e questo è il lavorò La Tentazione di San Antonio e segnò un passo fondamentale nella sua carriera. Fu uno dei prime commissioni importanti al di fuori di Verona. Ciò che mostra è che si tratta di un soggetto popolare, quello di San Antonio. la tentazione nel deserto e l'interpretazione di Veronese è notevole per la sua dinamicità composizione e uso vivace del colore, e in questo periodo a Mantova Veronese riuscì a studiare un certo numero di opere d'arte, incluse le affreschi sul soffitto di Giulio Romano, che avrebbero esercitato un'influenza il suo lavoro successivo, in particolare le sue decorazioni murali sul soffitto, che dipinse sul posto Cattedrale di Mantova che dimostra la sua capacità di lavorare su un progetto su larga scala sul posto stesso che gli sarebbe tornata utile quando gli fu chiesto di ricevere una commissione da Venezia. Questo nel 1553, il suo primo incarico statale e fu il soffitto dell'aula del Consiglio. di Dieci nel Palazzo Ducale. Si intitola Giove che scaglia fulmini contro le Vizi e fu un importante traguardo nella sua carriera perché fu questo lavoro a stabilirlo come un grande talento a Venezia. Dimostra la sua abilità nel foreshortening e nella rappresentazione di figure che sembrano galleggiare sopra di noi. Il suo uso del colore è notevole, le tonalità vivaci, la qualità luminosa anche nelle ombre e questo sarebbe diventato una caratteristica del suo stile maturo, la luminosità che egli acquisì o riuscì a creare nelle ombre e fu proprio questa la padronanza del colore che lo distinse dai suoi contemporanei fin dalle prime fasi e contribuì alla sua rapida ascesa nei circoli artistici di Venezia. Ora fu quest'opera che lo portò a l'attenzione di Tiziano e, per un altro lavoro nella Biblioteca Marciana, gli fu assegnato un premio che fu giudicata da Tiziano e da Sansovino e furono queste opere a stabilirlo come maestro pittore e da allora divenne una sorta di prodigio di Tiziano. Personalmente, se guardi La vita di Veronese potrebbe considerarsi, qual è la parola giusta, una vita forse noiosa. Si sposò nella sua ventina, ebbe figli, viaggiò poco e fu un cattolico devoto. anche se va detto che i suoi dipinti religiosi spesso includevano incidenti giocosi e grandi raduni sociali. Era molto professionale come artista, dirigeva un ampio laboratorio e impiegava membri della famiglia, l'ha gestito con successo senza incidenti e adatterebbe il suo stile per adattarlo il bisogno dei suoi committenti. Questo è il Cenacolo di Emmaus, del 1559, un capolavoro dei suoi primi anni, commissionato dalla refettorio del Monastero di San Tionisto a Treviso e mostra come la sua fama stesse crescendo al di là di Venezia. Raffigura il momento quando Cristo si rivela a due dei suoi discepoli ad Emmaus, ma qui si può vedere che Veronese abbia adottato un approccio diverso rispetto ad alcuni artisti. Invece di un numero ridotto di persone Solo in una stanza, ne ha fatto un grande evento sociale, un po' all'aperto. C'è uno spazio architettonico magnifico per mostrare la sua abilità nella prospettiva e negli effetti illusori e c'è una folla di persone, ma si vede la sua maestria nel bilanciare numerose figure con gli elementi architettonici per creare questa sensazione di profondità e grandezza. È interessante che includa ritratti di figure veneziane contemporanee, qualcosa che molti artisti farebbero. Qui riteniamo si tratti dei membri della famiglia Barbaro, che furono importanti committenti di Veronese. Il motivo per cui si trova nel Louvre è che il dipinto fu portato a Parigi nel 1797 come parte I sequestri d'arte di Napoleone e rimasti lì da allora. Il dipinto è stato restaurato. recentemente rivelando i suoi vivaci colori che si sono appannati come molti dei suoi lavori o molti le opere degli artisti. I secoli appannano il colore e il restauro può riportarle in vita e Questo restauro ha permesso ai visitatori di apprezzare tutta la brillantezza del suo colore. Un dipinto molto grande, largo quasi 10 metri, una delle sue opere più famose e ambiziose. Il matrimonio di Cana, 1563. Fu commissionato dai monaci benedettini di San Giorgio Maggiore a Venezia per il loro refrattario e rappresenta la storia di come Gesù trasformò l'acqua nel vino a un banchetto festa nuziale, ma Veronese l'ha trasformata in un sontuoso banchetto veneziano ambientato in meravigliosi dintorni architettonici che riflettono il fasto di Venezia nel XVI secolo. Ci sono oltre 130 figure e ha incluso ritratti di molte personalità contemporanee di Venezia. Ha incluso anche Tiziano, Tintoretto e persino se stesso, mostrandosi mentre suona della musica in il primo piano. Per inciso, si tratta di un altro dipinto al Louvre e per trasportarlo tornata a Parigi, le truppe di Napoleone la tagliarono in sezioni nel 1797 e fu riassemblata a Parigi ma alcuni danni da questo processo sono ancora visibili e non sono mai stati ripristinati, il che è perché ancora si trova nel Louvre. E ultimo punto, osserva dai colori, uno dei motivi è che ha utilizzato i pigmenti di massima qualità, inclusi il pregiato lapislazzulo blu, un pigmento molto costoso proveniente dall'Afghanistan e, in peso, costa più dell'oro, ma è proprio l'uso del lapislazzulo che contribuisce all'immortalità i colori vivaci dell'opera. Questa è un'altra versione, una versione più piccola dello stesso evento. Il matrimonio di Cana, dipinto nel 1566 o tra il 1566 e il 1567. Questa versione era commissionato in privato dalla famiglia Cocina per il loro palazzo a Venezia, il Palazzo Papadopoli. Il dipinto raffigura la stessa festa nuziale in cui fu trasmutata l'acqua in vino, ma in questo caso l'ha trasformato in un contesto che riflette la magnificenza di Venezia del XVI secolo e lo sta mostrando nel momento in cui gli ospiti stanno appena cominciando assaggia il vino con stupore. Il vino viene portato al tavolo e lo guardano e semplicemente iniziando a percepirlo. Si può vedere la maestria di Veronese nelle composizioni complesse, le folle di le persone sono accuratamente bilanciate, l'uso del colore è particolarmente notevole e lui è incluso in questo dipinto raffigura i membri della famiglia Cocina che hanno commissionato l'opera. Sono in il primo piano vestito con i suoi migliori abiti e così sta soddisfacendo il requisito del suo mecenate far parte di questa scena biblica. Come spesso accade, molti elementi sono anacronistici perché è architettura veneziana, costumi contemporanei. Questa è una pratica comune che Gli ho già accennato in precedenza e lo ribadisco anche in questo dipinto, era anche pagato per utilizzare il pigmento costoso lapislazzulo. Ora Veronese era stato coinvolto con quest'uomo Daniele Barbaro e suo fratello Marcantonio Barbaro che decorano la Villa Barbaro che Palladio aveva progettato e così Daniele commissionò opere a Veronese, come questo ritratto. Ora Barbaro era un patriarca di Quileidia, un titolo prestigioso e antico, e lui era ritratto qui vestito da vescovo. Dal 1561 fu anche cardinale, ma il nomina fu ciò che noto come pectore, ovvero non deve essere reso pubblico. Quindi ciò che sta facendo qui è che sta vestito da vescovo, ma è seduto in posa da pubblico, una posa che è di solito riservato ai papi e ai cardinali, e quindi sta suggerendo il fatto che lui sia un cardinale ma non è autorizzato a menzionarlo ufficialmente. Per inciso, il libro in questione è La Practica. della Perspettiva, il suo trattato sull'ottica artistica e l'opera sul tavolo che È lui a tenere il suo commento sull'Architettura di Vitruvio, che è illustrato da Andrea. Palladio. Per semplice confronto, prima di passare oltre, ecco il ritratto dello stesso uomo fatto da Tiziano. ma era stato dipinto circa 20 anni prima, quindi nel Veronese il Barbaro è 20 anni più vecchio e anche la riproduzione che sto utilizzando qui è di qualità leggermente superiore in quella veronese ma è interessante paragonare la posizione in cui sono disposti, l'illuminazione e le somiglianze tra i due artisti. Come ho già detto, Tiziano era considerato il maestro del ritratto. e colui che aveva stabilito lo standard e lo stile della produzione di ritratti. Questa è la famiglia di Dario prima di Alessandro nella National Gallery di Londra commissionata dalla famiglia Pisani per la loro villa a Montagnana e testimonia la crescente reputazione che egli si era guadagnato tra la nobiltà veneziana. Sta illustrando una scena della storia antica. Alessandro il Grande sta incontrando la famiglia del sconfitto il re persiano Dario e in effetti qui Veronese ha trasformato questo evento storico in uno spettacolo grandioso veneziano come di solito fa, e sono tutti vestiti con fastosi abiti del XVI secolo costumi veneziani del secolo ma la storia è che la madre del re sconfitto Dario che puoi vedere qui in blu in ginocchio, lei confondeva l'amico di Alessandro, Efestione per Alessandro e il momento viene ricordato piuttosto che essere punito da Alessandro Li perdonò e Veronese mostra il momento in cui Alessandro, vestito di rosso, avanza in primo piano. per mostrarsi e con la mano sinistra sta indicando Efaestione, la persona che avevano scambiato per Alessandro, ma Veronese lo utilizza per dimostrare la sua abilità nel creare un dipinto complesso diverse figure con un equilibrio maestoso rispetto agli elementi architettonici del XVI secolo creando questo senso di profondità e grandiosità ricco di tonalità vivaci. C'erano diversi ritratti dei contemporanei di Veronese, incluso, come spesso accade, un autoritratto. È l'uomo A sinistra, nel saio giallo, c'è un autoritratto. Questo dipinto fu così ammirato fu acquisito dal re Carlo I d'Inghilterra nel 1627 e rimase nel paese diventando uno dei lavori fondativi della National Gallery di Londra, perciò è arrivato così a Londra. Ci sono state nuovamente modifiche significative, come sappiamo dall'analisi a raggi X sulla composizione mentre lo stava dipingendo, dimostrando ancora una volta il suo meticoloso approccio nella creazione di questi opere di grandi dimensioni e l'equilibrio delle figure, ottenendo i gesti esattamente giusti. Questo è un'allegoria della navigazione con il bastone di navigazione, di Averroè. Fa parte di una serie di allegorie. dipinti che egli creò per il Palazzo Ducale, l'Aula delle Quattro Porte. Ora Averroè è un Polimata del XII secolo andaluso e si mostra mentre impugna un astrolabio, strumento scientifico utilizzato nella navigazione celeste e fa parte di un programma più ampio dedicato alla marina di Venezia potere e la loro conoscenza scientifica, e Veronese sta mostrando la sua abilità nel creare questa illusione. decorazione a soffitto. La figura di Averroè sembra galleggiare sopra il visitatore mentre dimostra il suo padronanza del prospettiva accorciata. Ora Averroè era uno studioso musulmano e questo dimostra che in un contesto cristiano a Venezia, all'epoca, c'era un'atmosfera estremamente cosmopolita e la città era aperta a diverse tradizioni intellettuali e l'inclusione di strumenti scientifici riflettono il crescente importanza dell'osservazione e della misurazione empirica nel Rinascimento, in particolare rilevante per l'impero marittimo di Venezia. Tuttavia, lasciatemi spiegare, il bastone da croce a volte noto come bastone di Giacobbe veniva utilizzato per misurare angoli, come l'altezza di una stella o del sole sopra il orizzonte e che consentì a una nave fuori vista della costa di determinare la sua latitudine e lo strumento per misurare gli angoli, lo staffa crociata avrebbe delle barre che potevi far scorrere su e giù per misurare l'angolo e il lungo bastone su cui lo scivolo era graduato, ma qui Veronese non sembra, secondo come lo guardo io, mostrare un incrocio staffe che possono scorrere su e giù. Lui invece lo presenta come ciò che viene definito un patriarcale, Una croce patriarcale cristiana. Questa è stata dipinta intorno al 1570 e raffigura Marte e Venere uniti da amore. Fu commissionato dall'imperatore Rodolfo II, grande mecenate delle arti, in particolare interessato a soggetti allegorici e mitologici, e ciò che vediamo è il dio della guerra, Marte la dea dell'amore, Venere, e sono uniti, si vede in basso a sinistra, da un amorino che sta legando le gambe unite e Veronese trasforma questo mito classico in una scena sensuale di Amore e armonia. È incluso, come si può vedere sullo sfondo, elementi architettonici. Ci sono anche alcuni elementi simbolici. C'è una armatura, puoi vedere l'armatura. alzato o spada alzata da un amorino e l'armatura che sta gettando via simboleggia il trionfo dell'amore sulla guerra. L'analisi tecnica mostra come Veronese abbia raggiunto questa luminosità qualità nei toni della pelle, qualcosa per cui era particolarmente noto. Era stato realizzato con un procedimento complesso tecnica del sovrapposizione, lavaggi sottili, sottili strati di colore hanno creato questa profondità che ha dato vita alla carne un'intonazione di qualità luminosa. Rodolfo II commissionò tre opere a Veronese e le altre due sono nel Frick Collection di New York. Il modo in cui è arrivato al Metropolitan Museum of Art A New York è una storia lunga e complessa. C'erano circa 26 proprietari ben documentati. nel corso dei secoli, inclusi Ferdinando II e III, Cristina, regina di Svezia C'era un cardinale a Roma, il duca Filippo d'Orléans a Parigi e poi un duca di Bridgewater a Londra fino a quando, finalmente, nel 1910, fu acquistata dal Museum of Modern Art di New York. L'Adorazione dei Magi, 1573. I tre re o magi sono giunti per visitare il bambino Gesù. nella stalla portando doni d'oro, incenso e mirra. Ciò che Veronese mostra è che la stalla è collegato alle rovine di ciò che sembra un grande edificio classico con archi trionfali sullo sfondo. Appaiono angeli nel cielo, c'è una forte raggio diagonale di luce che scende illuminando il Bambino Gesù e la Vergine Maria e Cristo Il bambino è collocato nel punto in cui si intersecano l'architettura e la diagonale. È stato dipinto per la Chiesa. di San Silvestro a Venezia. Non era un dipinto d'altare, ma un grande quadro per la parete della navata accanto all'altare e lo dipinse nel 1573, e in quel periodo si trovava al culmine del suo splendore la sua carriera e viveva a Venezia da vent'anni. Si era sposato qualche anno prima, nel 1565 Eleanor Badile, la figlia del suo antico padrone. Gestiva un laboratorio fiorente insieme a lui fratello Benedetto e avevano già portato a termine molte importanti commissioni. I Magi che puoi vedere sono elegantemente vestiti e ancora una volta i colori del costume dei magi sono tipici di Veronese e lì c'è anche un autoritratto. È uno dei seguaci in fondo. È lui a sinistra, con la barba, che ci guarda dritto negli occhi, e un altro aggiunta interessante è il cane a destra in primo piano. Si ritiene che sia È un ritratto del cane da compagnia di Veronese. Ora arriviamo al dipinto controverso ora chiamato Il banchetto in casa di Levi. È uno dei suoi lavori più famosi. Fu commissionato come un'ultima cena e fu commissionata per la cappella del refettorio della basilica domenicana di San Giovanni e Polo a Venezia e si tratta di un enorme pannello largo oltre 12 metri e divenne il centro di una controversia, una disputa con l'Inquisizione. Poco dopo averla completata fu convocato davanti all'Inquisizione per spiegare perché aveva incluso ciò che loro ritenevano essere dettagli irriverenti. Ora erano passati dieci anni da quando aveva dipinto Il banchetto di nozze a Cana e molte cose erano cambiate da allora. In particolare, il Concilio di Trento, dal 1545 al 1563. oggi denominato l'inizio della Controriforma, diede alla Chiesa cattolica romana una nuova legittimità autorità e un nuovo incarico per esaminare e interpretare dipinti alla ricerca di segni di eresia. Il testo integrale dell'interrogatorio è effettivamente disponibile online, ma permettimi di leggerti solo un breve estratto. sezione. L'Inquisitore chiese: vi sembra opportuno secondo l'ultima cena del nostro Signore per rappresentare buffoni, tedeschi ubriachi, nani e altre simili assurdità, Veronese rispose certamente no, e l'Inquisitore allora chiese: allora perché l'hai fatto? E Veronese rispose L'ho fatto supponendo che quelle persone fossero fuori dalla stanza in cui si svolgeva la cena. in corso. Un tipo di osservazione tecnica che stava cercando di utilizzare per giustificare l'inclusione ma non ha funzionato. L'Inquisitore disse immediatamente: "Non sapete forse che in Germania e in altri paesi infestati dall'eresia è consueto, mediante immagini piene di assurdità, vilipendare e deridere le cose della Santa Chiesa Cattolica allo scopo di insegnare una dottrina falsa a persone ignoranti che non hanno senso comune. Beh, penso che in questo punto fosse chiaro che Veronese si stava cacciando in un grosso guaio. Continuò coraggiosamente a cercare di giustificare le sue inclusioni riferendosi a cose come le figure nude, incluse la Vergine Maria e Michelangelo Giudizio Universale nella Cappella Sistina, ma queste venivano considerate irrilevanti. L'importante era questo il dipinto e le sue spiegazioni non erano accettabili e alla fine Veronese dovette aspettarsi che al massimo essere torturato o forse addirittura eseguito, ma fu sorpreso di essere informato che aveva tre mesi per cambiare il dipinto. Ora, invece di rifarlo interamente, l'ha astutamente rinominato col titolo attuale Il banchetto nella casa di Levi, un banchetto menzionato in Luca 5,27-29, e in questo modo egli non rappresentava affatto l'Ultima Cena e il dipinto divenne accettabile. Così fu accettata, non è stato fatto altro e nonostante i suoi inizi controversi è rimasta a Venezia. Si trova nelle Gallerie dell'Accademia e ha resistito agli attacchi di cuore di Napoleone e tuttora si conserva lì a Venezia. Queste si trovano nella National Gallery di Londra. Le quattro scene sono note come L’Allegoria dell’Amore. È commissionata nuovamente dall’imperatore Rodolfo II e mostra Veronese padronanza dei soggetti allegorici. Fu un genere di pittura estremamente popolare presso i clienti d'élite. Faceva originariamente parte di una decorazione sul soffitto, il che spiega questo formato quadrato e il prospettiva leggermente dall'alto verso i personaggi e infatti nella National Gallery I quattro erano appesi in alto, negli angoli della stanza. Parlano di vari aspetti dell'amore, in alto a sinistra, l'infedeltà. Ci sono state diverse teorie a riguardo l'interpretazione esatta di questi dipinti, ma la teoria dominante di questo dipinto è che rappresenta un classico triangolo amoroso. Nota la lettera segreta che viene passata dall'uomo sul a sinistra e la donna nuda. Poi, sulla destra, Scorno, vediamo Cupido che maltratta senza pietà un uomo prostrato mentre due donne lo osservano con le mani giunte. Ora questo è un po' più difficile da interpreta ma quello nello stato di svestito è probabilmente l'amore carnale e l'altro, completamente vestito, sta portando un'ermellino, un animale utilizzato per rappresentare la castità. Questo potrebbe essere interpretato come come illustrazione di come l'amore sia diviso tra desiderio e devozione. In basso a sinistra, rispetto. è nuovamente l'interpretazione dominante qui che l'uomo vestito di armatura sia tentato da Cupido ma si ritira dal corpo nudo addormentato rispettandola. Poi la felice unione, una coppia si unisce nelle mani di una donna seminuda e stanno sendo assistiti da un ragazzo e i due potrebbero essere rappresentano Venere e Cupido, anche se in realtà non ci sono tratti che li identifichino chiaramente. Il legame tra la coppia è segnato dal fatto che entrambi tengono una corona di alloro. che indica la virtù e un ramo d'olivo che simboleggia la pace. La catena d'oro che viene il fatto che il ragazzo lo impugni si riferisce probabilmente al matrimonio e il cane è un simbolo di fedeltà. Questo è un episodio mitologico in cui Perseo raggiunge Andromeda per salvarla. Fu un evento molto e rimase un soggetto popolare per gli artisti fino al XIX secolo. Lasciate che vi mostri la versione di Tiziano. Questo è l'interpretazione del soggetto da parte di Tiziano e forse ispirò Veronese. Ci sono somiglianze. Tiziano trasmette l'intensità drammatica e il terrore di Andromeda mentre il mostro si avvicina, ma Veronese, penso, suggerisce una fine felice. Ora viene mostrata Andromeda da Veronese come impotente, ma guarda la bestia e sembra guardare con sicurezza, immagino assicurato dalla spada di Perseo, che sta per uccidere il mostro. Penso che i toni acidi dell'arancione e il colore del mantello di Andromeda, posizionato con cura, fu ripreso dall'artista Théophile Gaultier nel 1860, quando scrisse che Veronese era il più grande colorista che fosse mai esistito, più grande di Tiziano, Rubens o Rembrandt perché stabilì l'armonia dei toni naturali al posto della modellatura nel chiaroscuro scuro e chiaro che rimase il metodo dell'acceso chiaroscuro accademico, è chiaro e oscuro. Delacroix fece un'affermazione simile. Scrisse che Veronese creò la luce senza contrasto violento che ci viene sempre detto essere impossibile e mantenuto la forza del colore nell'ombra. In realtà, entrambi commentano come abbia ottenuto questo effetto di contrasto tra luce e scuro, pur mantenendo la potenza di questi colori luminosi. A proposito, la storia che cosa è qui si dice che Perseo fosse un eroe greco, figlio di Zeus. Stava tornando da una missione per uccidere Medusa, che egli compì con successo quando incontrò Andromeda, una principessa etiope colui che vide legato a un masso vicino al mare, e ciò perché la madre di Andromeda, la regina Cassiopea si era vantata del fatto che sua figlia fosse più bella delle Nereidi, le ninfe del mare, e questo irritò Poseidone, il dio del mare, e la sua punizione: inviò un mostro marino, Ceto, per terrorizzare la costa. e al fine di placare Posidone e salvare il loro regno, i genitori di Andromeda furono costretti a sacrificarla al mostro e così la legarono o la fecero legare a questa roccia in modo che potesse essere divorata dal mostro, ma come ho detto, Perseo passava proprio di lì, la vide subito si innamorò di lei, fece un patto con i suoi genitori: se riusciva a salvarla, si sarebbe sposato con lei e lui poi nella mitologia usò la testa mozzata di Medusa per trasformare il mostro in pietra, ma qui Veronese lo interpreta un po' diversamente: sta usando una spada per uccidere il mostro e dopo salvandola, l'ha sposata e l'ha riportata in Grecia, dove ebbero diversi figli che Secondo una leggenda, divenne l'antenato di una dinastia di Micene. Un altro dipinto mitologico dipinto nel 1578, La violazione di Europa, uno dei suoi dipinti mitologici più famosi Il Palazzo Ducale dove si trova ancora oggi e ciò che sta mostrando è questa storia di come Giove Colui che si era trasformato in un dolce toro bianco rapì Europa. La storia proviene da Ovidio. Metamorfosi e Europa è sedotta dalla dolcezza del toro e si lascia persuadere siediti a sella laterale sulla schiena del toro e puoi vederla seduta o semplicemente sollevata da lei sul toro e il toro che tu puoi vedere sta accarezzando delicatamente il suo piede, ma puoi anche vedere nel Lo stesso quadro, se guardi a destra, la storia è presentata in fasi, puoi vederla viaggiando giù per la collina sulla schiena del toro ancora con un sorriso felice, ma guarda che sta venendo portata via mare dal toro e appare sconvolta, agitando disperatamente le mani verso le sue due gli assistenti che rimangono indietro e poi finalmente la vedi portata via lontano distanza da Creta, dove in seguito giunse, sposò il re di Creta e lui la fece regina di Creta. Fu in realtà uno dei suoi figli, Minos, che avrebbe fondato la città di Cnosso e gli diede il suo nome alla civiltà minoica, e ovviamente Europa diede il suo nome all'Europa. Esistono diverse versioni del Ratto di Europa di Veronese. Una di queste è un dipinto più piccolo, questo si trova nella National Gallery di Londra. È datato 1570 e potrebbe essere un bozzetto preliminare bozzetto per il dipinto più grande, anche se ovviamente le figure sono invertite. Ha un storia interessante perché una volta era considerata fraudolenta. Era così scura che la vernice aveva così oscurato al punto da oscurare quasi completamente il dipinto e venne considerato una copia. Una volta pulito, risultò chiaro che si trattava di un'opera di Veronese e fu dichiarato tale. Un'opera di Veronese del 1999. Questa è Lucrezia dipinta negli anni Ottanta del Cinquecento. Negli anni 1570 devo menzionare che una peste uccise un terzo della popolazione di Venezia. incluso Tiziano. Nel dopo evento Veronese dipinse alcune delle sue opere migliori ma è stato fatto notare che, citando, «è come se la notte calasse su ogni singolo quadro» Da quel momento in poi, e questo è uno dei suoi dipinti più sconvolgenti. È una scena di suicidio. Lasciatemi prima paragonarlo a un'opera di Tintoretto. Qui si vede che si tratta di un buon modo di confrontare i due artisti perché Tintoretto i suoi lavori erano tipicamente pieni di energia e dinamismo, tipici del suo stile, mentre quella di Veronese è molto più stile delicato, anche se si tratta di una scena di suicidio, e devo sottolineare il classico La storia è che fu violentata dal figlio del re di Roma. Questa storia è descritta nel modo in cui nella Storia di Roma di Tito Livio. Il giorno dopo rivelò a suo padre ciò che era accaduto. marito e si è uccisa trafiggendosi il cuore piuttosto che vivere con la vergogna e la storia ha ha ispirato molti artisti sin dall'inizio. Esiste un lungo poema di Shakespeare sulla violazione di Lucrezia e un'opera di Britten. Si può notare qui che Veronese utilizza colori più scuri. Il suo vestito è verde scuro che usa per contrastare la luminosità della sua pelle. Lei appare come molte delle sue eroine che brillano dall'interno, ma il suo volto è malaticcio, gli occhi abbassati, sta attraversando un momento privato di profondo tormento e se guardi con estrema attenzione puoi distinguere C'è un lieve gocciolio rosso sul pugnale. In realtà ha già si è trafitta e il sangue sta uscendo dal suo corpo. Questo è un altro soggetto tratto dalle Metamorfosi di Ovidio. È Venere e Adone. Qui Veronese mostra Adone ancora addormentato sulle ginocchia di Venere. Ora Venere si innamorò di Adone, dopo essere stato accidentalmente colpito da una delle frecce di Cupido, davanti a lei puoi vedere Cupido con un cagnetto e Cupido cerca di fermare il desiderio del cane di andare a caccia perché Venere aveva previsto la morte di Adone quel giorno e gli aveva mostrato il suo distacco. Sembra una piccola bandierina, ma ciò che sta portando, ciò che sta utilizzando è l'antenato di un ventilatore che sta usando per rinfrescarlo. La storia finisce male perché ciò che accade è che lui si sveglia e lei non può impedirgli di andare a caccia quel giorno. Lancia una freccia contro un cinghiale che non viene ucciso, Si volta contro di lui e lo uccide. Venere, che in quel momento si trova nel cielo, si precipita giù e lo raggiunge. giusto in tempo per abbracciarlo prima che muoia e promette che da quel suo sangue spunterà un fiore e il fiore è l'anemone, un fiore bellissimo ma di breve durata, proprio come Adone. Questo è il Trionfo di Venezia, completato nel 1585, una delle sue ultime opere principali e una coronazione realizzazione della sua carriera. È un affresco di soffitto creato per la Sala del Gran Consiglio nel Il Palazzo Ducale e rappresenta un'allegoria del potere di Venezia e della sua gloria e nel In alto al centro c'è Venezia personificata come una donna coronata o appena incoronata. Sta guardando in alto. alla gloria che le offre una corona e lei è seduta tra due grandi torri che rappresentano l'ingresso del cantiere navale della città, l'Arsenale. È circondata da figure che rappresentano vittoria, fama, onore, pace e molte altre virtù e poi, sotto di lei, si trova un intero insieme della società veneziana suddivisa in diverse classi sociali. Ci sono i cardinali, Ci sono soldati laggiù in fondo, tutti intenti a creare questo regno che rende omaggio a Venezia. e ovviamente illustra l'indiscutibile abilità di Veronese nel creare questi grandi decorazioni illusionistiche sul soffitto. È un capolavoro di prospettiva e di accorciamento. In realtà era stata commissionata per sostituire un'opera precedente distrutta da un incendio nel 1577. È un dipinto molto grande, misura più di nove metri di altezza e per realizzarlo ha fatto questo: ha lavorato su di esso in sezioni nel suo studio e lo ha assemblato sul posto, un testimonianza delle sue abilità organizzative e al suo laboratorio. Così, avvicinandoci alla fine, i miei tre interventi sono stati sulla rivalità e sul carriera di tre dei maggiori pittori di Venezia che ho scelto di trattare separatamente, Tiziano, Tintoretto e Veronese. Tutti e tre erano brillanti, ambiziosi, estremamente competitivi. Tiziano è noto per la sua maestria nel colore e lo stile sensuale, anche se in seguito sviluppò un tratto di pennello più sciolto ed espressivo. Eccelleva nel ritratto e ovviamente dipinse anche molti scene religiose e soggetti mitologici. Tintoretto è famoso per le sue composizioni drammatiche, uso audace della prospettiva, ambienti energici, scene turbolente, forti contrasti e aveva tecnica che gli diede il nome di Il Furioso. Veronese è famoso per il suo grandioso teatrale composizioni, ambienti architettonici elaborati, uso maestro del colore e una luce brillante e luminosa paletta e si specializzò in scene religiose e mitologiche di grandi dimensioni. In sintesi, L'opera di Tiziano evolse col tempo, divenendo sempre più espressiva, mentre Tintoretto fu più drammatico e intenso e veronese era più sontuoso, aveva molti elementi decorativi e molte composizioni complesse. Così Veronese, come persona, era riservato, flessibile, professionale, un eccellente colorista. sviluppò uno stile naturalista nella pittura influenzato da Tiziano e il suo biografo scrisse di lui che diede pioggia alla gioia, rese la bellezza maestosa, rese la risata stessa più festosa. È morto nel 1588 all'età di 60 anni. È morto di polmonite che si era contratta durante una visita religiosa corteo vicino alla sua tenuta di campagna a San Angelo. E questo mi porta alla fine dell'intervento di oggi e infatti la trilogia parla di Tiziano, Tintoretto e Veronese. Grazie dunque per il tuo tempo e attenzione, e spero che continuerete a seguire la mia serie di interventi sulla storia dell'arte occidentale. Grazie e arrivederci per ora.