DONATELLO: The Bravest Artist of the Renaissance | The Story of the Sculptor Who Changed the World

A principios del siglo XV, Florencia estaba dentro de un gran cambio. En cada esquina se elevaba una nueva catedral. En cada plaza se construía un nuevo palacio. Banqueros y comerciantes querían transformar su riqueza acumulada en belleza permanente. Las iglesias encargaban vitrales. Los gremios ordenaban esculturas de fachada. Florencia en este periodo no solo estaba construyendo edificios, se estaba reinventando a sí misma. La admiración por la grandeza de la antigua Roma se había impregnado en cada piedra de la ciudad. Los notables de la ciudad anhelaban la permanencia de Roma, sus monumentos de mármol y su historia grabada en piedra. Esta admiración un día sería grabada en la piedra por un verdadero genio. Un joven hombre que nació en esta ciudad como hijo de un cardador de lana y comenzó a trabajar como aprendiz de cantero, iniciaría la mayor revolución escultórica que Europa había visto hasta ese día. Nadie lo sabía en ese momento, ni siquiera él mismo. Esta noche descubriremos la historia de Donatello. Antes de pasar al vídeo, no olviden suscribirse a nuestro canal. Compartan en los comentarios desde qué país nos están viendo. Ahora vayamos a los últimos años del siglo XIV, a la ciudad donde se sembraron las semillas del Renacimiento, a Florencia. Donato di Nicolò di Betto Bardi nació en Florencia en el año 1386. Su padre, Nicolò di Betto Bardi, era un artesano que cardaba lana. La familia era de clase media. Eran personas trabajadoras que llevaban una vida ordinaria en las calles estrechas de la ciudad. Donato creció en este ambiente. A su alrededor había talladores de piedra, pintores y fundidores. Florencia en esa época era el mercado de arte más concurrido de Europa. Los ojos de un niño que crecía dentro de este mercado absorbían todo. Los carros cargados de piedra que pasaban entre los barrios, los maestros que balanceaban martillos desde la mañana hasta la noche frente a las iglesias y el olor que cambiaba cada pocos pasos, se habían impregnado en la textura de esta ciudad. El nombre Donatello, por el cual Donato sería conocido mundialmente en los años siguientes, nació de un apodo. Su círculo cercano le había puesto este nombre con cariño, en el sentido de Pequeño Donato. Con el tiempo este nombre se fusionó con la historia misma. La primera parada importante en la juventud de Donatello fue el taller de Lorenzo Ghiberti. Ghiberti en esos años era el artista más hablado de Florencia. Había ganado un concurso organizado en 1401. Este concurso determinaba al maestro que haría el relieve de bronce para la puerta norte del Baptisterio de Florencia. El concurso había sido escenario de la primera gran discusión del arte renacentista. El rival de Ghiberti era el importante arquitecto de la época, Filippo Brunelleschi. Los partidarios de ambos casi habían dividido la ciudad en dos. En las esquinas y gremios de Florencia se encendían nuevas discusiones cada día. Donatello comenzó a trabajar junto a Ghiberti en este ambiente movido. El taller para él era una escuela. Donatello aquí aprendió cómo se fundía el bronce, cómo se preparaban los moldes y cómo se trabajaban los relieves. Pero lo más importante que ganó del taller de Ghiberti no fue una técnica. Aquí había conocido a Brunelleschi. Brunelleschi era una de las mentes más agudas de la época. Este hombre que era arquitecto, ingeniero e inventor sentía un profundo interés por la arquitectura de la antigua Roma. Continuaba este interés con el rigor de un científico. Quienes lo rodeaban generalmente lo encontraban extraño. Pasaba horas frente a estructuras convertidas en ruinas tomando medidas. Se inclinaba sobre piedras rotas tomando notas. Entre 1404 y 1407 Donatello fue a Roma junto con Brunelleschi. Este viaje no fue una escuela para los dos jóvenes sino una transformación. Los dos hombres recorrieron juntos las ruinas de Roma. Examinaron las columnas rotas del foro romano. Caminaron bajo los arcos del Coliseo. Y midieron y dibujaron los relieves de los monumentos funerarios. Había una gran diferencia entre fundir bronce en Florencia y estar frente a una escultura de mil años en medio de Roma. Donatello allí vio por primera vez tan de cerca las esculturas griegas y romanas. Observó que el cuerpo humano podía vivirse así en la piedra. Entendió que los músculos, los tendones y la tensión emocional podían trabajarse en el mármol de manera tan realista. Durante este viaje, mientras Brunelleschi investigaba las reglas arquitectónicas, Donatello investigaba la figura humana. Los dos vieron la misma ciudad con ojos diferentes pero ambos regresaron transformados a Florencia. Después de regresar a Florencia, Donatello comenzó rápidamente a recibir grandes encargos. En 1408 se encargó una escultura de mármol de David para la Catedral de Florencia. Esta escultura hoy se exhibe en el Museo Nacional de Florencia. Aunque no tan famosa como el David de Bronce posterior de Donatello, esta obra revelaba claramente cómo el joven artista se alimentaba de la escultura antigua. La figura ya no era sólo un símbolo religioso, era un cuerpo humano real. Las extremidades eran proporcionadas, la postura era natural y la expresión facial llevaba un peso psicológico específico. La obra completada luego fue trasladada de la Catedral al Palazzo de la Signoria. Pero para Donatello lo importante no era el traslado, lo importante era el siguiente paso. Ese paso llegó entre 1415 y 1417 y cambió el curso de la historia del arte. La escultura de San Jorge, hecha para la iglesia de Orsanmichele, fue el primer gran manifiesto de la escultura renacentista. El gremio de armeros y fabricantes de armas de Florencia había encargado esta escultura. Su propósito era simple, querían colocar la escultura de su santo protector en el nicho de la iglesia. Pero lo que obtuvieron en sus manos fue mucho más grande de lo que esperaban. Donatello transformó el mármol no en una figura religiosa ordinaria, sino en un personaje vivo. San Jorge estaba de pie, sus hombros tensos, sus manos a los lados y sus ojos mirando hacia adelante. Esta mirada no estaba congelada dentro de la piedra. Los espectadores sentían en esos ojos un pensamiento, una determinación y una tensión. Cuando los residentes de la ciudad se pararon frente a la escultura, se preguntaron esto. ¿A dónde mira este hombre? Esta pregunta nunca había sido hecha para ninguna escultura en Europa hasta ese día. Durante la Edad Media, los santos se hacían de forma simbólica y esquemática. Ellos no eran figuras, sino señales. Donatello cambió esta comprensión desde la raíz. El relieve en el pedestal de la escultura de San Jorge ofrecía el primer ejemplo de una innovación aparte. Este pequeño panel representaba a Jorge matando al dragón. Donatello en este panel aplicó por primera vez la técnica que llamó schiaxiato. Schiaxiato significa relieve, aplastado o aplanado. En esta técnica las figuras casi no sobresalen de la superficie. Sin embargo, gracias a la distancia y perspectiva utilizadas, el espectador experimenta una sensación de espacio profundo. Era posible crear una amplia llanura y un horizonte que desaparece a lo lejos con piedra del grosor de un dedo. Esta técnica fue una revolución en la historia de la escultura. Metía a la lógica de la perspectiva en un arte tridimensional. Donatello desarrolló esta técnica durante su vida. Para todos los escultores de las siguientes generaciones, esta técnica se convirtió en una herramienta básica. Las décadas de 1420 y 1430 constituían el periodo más productivo de Donatello. Diseñó coros de mármol para el Coro de Gloria de la Catedral de Florencia. Completó un panel de bautismo para la Catedral de Siena. Hizo muchas esculturas para varias iglesias. Donatello ya no era un artista ordinario de la ciudad. Su libro de pedidos rebosaba, en su taller trabajaban ayudantes y no quedaba gremio que no hubiera escuchado su nombre. El desarrollo más importante de este periodo, sin embargo, fue la relación que estableció Donatello con Cosme de Médici. Cosme era el gobernante de facto de Florencia, el banquero más poderoso y el mayor mecenas de las artes de su tiempo. Entendía el arte de Donatello, conocía su valor y le ofrecía tanto encargos como libertad. Este hombre proporcionó al artista una seguridad que duraría toda la vida. La relación entre los dos hombres había ido mucho más allá de la relación entre un empleador y un empleado. Que Cosme en su lecho de muerte testara a sus hijos que cuidaran de Donatello es la prueba más concreta de esta cercanía. Uno de los mayores frutos de esta amistad fue la escultura de bronce de David que todavía continúa siendo debatida hoy. Se sabe que la obra fue hecha en la década de 1440 para el palacio Médici y fue colocada en el patio interior del palacio. El David de bronce era la primera escultura desnuda de tamaño completo hecha en el arte occidental desde la antigüedad. Durante la Edad Media el cuerpo humano había sido cubierto en el arte. La desnudez se consideraba pecado. Las figuras se cubrían con ropa o decoración simbólica. Donatello derribó esta prohibición. En la escultura el joven David estaba de pie sobre la cabeza de Goliat. Su postura reflejaba un silencio introspectivo más que victoria. Su cabeza estaba ligeramente inclinada hacia adelante, su cuerpo tranquilo pero tenso y su rostro lleno de un pensamiento indefinido. Cuando los círculos artísticos de Florencia vieron esta obra las discusiones duraron días. Algunos quedaron horrorizados, algunos quedaron admirados. Pero nadie pudo permanecer indiferente. Esta obra hoy se encuentra en el Museo Nacional Bargello de Florencia. Cada año miles de visitantes hacen la misma pregunta frente a ella. ¿Cómo puede una figura tan pequeña despertar un sentimiento tan grande? En 1443 Donatello dejó Florencia y se trasladó a Padua. Detrás de esta decisión había un gran encargo. Erasmo Danarni, un importante comandante militar de Padua, con su apodo Gatamelata, había perdido la vida ese año. Su familia y el gobierno de Venecia querían un monumento permanente para este comandante. El encargo era una escultura de bronce sobre un caballo. Donatello emprendió este trabajo y trabajó en Padua durante aproximadamente diez años. Esta estatua ecuestre, que todavía está en pie hoy en la Piazza del Santo, se convirtió en uno de los mayores logros de la escultura renacentista. Era el primer gran monumento ecuestre de bronce hecho en Europa desde la antigüedad. Aparte de la escultura de Marco Aurelio en Roma, no había tal obra en Occidente. Donatello no sólo examinó el legado de Roma, lo trajo de vuelta a la vida. La escultura de Gatamelata destacaba por su grandeza y maestría técnica, pero tomaba su valor real de la comprensión que llevaba. Mientras el comandante se sentaba sobre el caballo, su cuerpo era sólido y su postura decidida. Donatello tampoco descuidó el rostro en esta escultura. El rostro de Gatamelata no era el de un guerrero gritando victoria, sino el rostro de una mente que calcula la distancia y pesa el peligro. Donatello miraba no al poder, sino a la persona que usa el poder. Este punto de vista era la característica más básica que llevó durante toda su vida artística. Producía el mismo resultado cada vez. Los espectadores frente a la escultura no veían sólo una obra de arte, sino que conocían a una persona. Cuando los paduanos vieron la escultura por primera vez, caminaron a su alrededor con asombro. Nadie había visto antes un bronce tan grande en esta ciudad. En poco tiempo, la escultura se convirtió en uno de los símbolos más conocidos de la ciudad. Durante los años que pasó en Padua, Donatello no sólo hizo el Gatamelata, completó figuras de bronce, relieves y una cruz para el altar mayor de la Basílica de San Antonio. Estos trabajos eran el mayor proyecto de escultura de bronce hecho hasta ese día, tanto en escala como en complejidad. Donatello aquí usó diferentes figuras, diferentes narrativas y diferentes técnicas juntas. Los relieves eschiacciato, las figuras completamente redondas y los elementos arquitectónicos se unieron en un solo conjunto. Cada figura estaba completa en sí misma, pero todas juntas formaban una sola narrativa. Cuando la congregación de la iglesia en Padua vio estas obras, sintió una gran admiración. Este proyecto en los siglos siguientes se convirtió tanto en inspiración como en fuente de referencia para muchos artistas. Donatello en 1453 dejó Padua y regresó a Florencia. La ciudad había cambiado, pero Donatello también había cambiado. La experiencia de diez años en Padua lo había madurado tanto técnica como espiritualmente. La familia Médici lo recibió en Florencia como antes. Cosme de Médici estaba vivo y los dos viejos amigos se reencontraron. Donatello en este periodo avanzó en su arte hacia una dirección más dura y más intensa. En las obras del periodo tardío, la belleza estética dejó de ser el objetivo primario. La expresión, la emoción y la intensidad psicológica pasaron al frente. A medida que Donatello envejecía su arte, tomaba un carácter más directo y más desnudo. La acumulación de largos años lo estaba purificando del adorno, dejando atrás sólo la esencia. La obra más impactante de este periodo tardío fue la escultura de María Magdalena, hecha para el Baptisterio de Florencia. La obra fue tallada en madera entre 1453 y 1455. No llevaba ninguna similitud con la imagen habitual de María. En el arte de la Edad Media, María Magdalena se representaba como una figura hermosa y joven. Se mostraba como una mujer que había pecado, pero se había arrepentido, elevada a la santidad. Donatello, sin embargo, talló una mujer diferente. Esta mujer había sufrido durante años. Su cuerpo estaba agotado, su cabello desordenado y sus huesos sobresalían de manera prominente. Las manos estaban unidas, el cuerpo inclinado hacia adelante, y en el rostro había tanto un profundo cansancio como una fe inquebrantable. Esta escultura llevaba una valentía nunca vista hasta ese periodo. Los espectadores primero se sorprendieron frente a la escultura, luego se sacudieron. Algunos dijeron que esta obra cruzaba el límite. Donatello continuó trabajando como si no hubiera escuchado estas críticas. No buscaba la belleza, sino la verdad, y esta búsqueda lo llevaba cada año a un lugar más profundo. La escultura de Judith y Holofernes, completada en el mismo periodo, también llevaba esta intensidad. Esta escultura de dos figuras hecha en bronce representaba el momento en que la mujer judía, Judith, cortaba la cabeza del comandante enemigo, Holofernes. En obras de arte anteriores, esta escena se presentaba como un momento dramático de victoria. Donatello lo configuró diferente. Judith había entrado en acción, pero la expresión en su rostro no era victoria, sino una pesada determinación. Holofernes aún no había muerto. Su cuerpo se había aflojado y su resistencia se había roto, pero aún no había dado su último aliento. Donatello había congelado estas dos figuras en un momento de acción. Este momento congelado continuaba perturbando al espectador. La escultura, con el tiempo, fue tomada del Palacio Médici y trasladada a la plaza principal de Florencia Piazza della Signoria. Allí ganó un significado político y fue adoptada como símbolo de libertad contra la tiranía. Los últimos años de Donatello pasaron en Florencia. Cosme de Médici perdió la vida en 1464. Esta pérdida significaba una profunda soledad para Donatello. El vínculo entre dos personas que habían trabajado juntas durante décadas, que se habían entendido y apoyado mutuamente, se había roto. La familia Médici, sin embargo, no dejó a Donatello sin protección. El hijo de Cosmepiero y su nieto Lorenzo continuaron apoyando al artista. Donatello tampoco dejó de trabajar en estos últimos años. Diseñó dos púlpitos de bronce para la Iglesia de San Lorenzo. Estos púlpitos, que contenían escenas de San Juan y San Pedro, estaban entre sus obras más maduras. En las superficies las figuras se entrelazaban entre sí. El espacio y el tiempo fluían juntos. Los relieves forzaban todas las reglas de composición habituales. Donatello ahora sabía que no tenía que seguir ninguna regla. El temblor de sus manos tampoco lo detenía. Donatello perdió la vida en Florencia, en diciembre del año 1466. Este hombre que se acercaba a los ochenta años, durante ochenta años, había dado forma a la piedra, el mármol, la madera y el bronce según su propia voluntad. En cada gran iglesia de Florencia, en cada plaza importante, había una obra salida de sus manos. La ciudad le debía mucho y lo sabía. Florencia lo enterró en la Iglesia de San Lorenzo, cerca de la familia Médici. Esta elección no fue casualidad. La familia Médici así declaró que Donatello no era sólo un artista, sino una parte inseparable de la familia y de la ciudad. El legado que dejó Donatello es grande y permanente. Cuando Miguel Ángel examinaba la colección Médici en Florencia, estudió durante años las esculturas de Donatello. Examinó repetidamente su David de bronce y sus figuras de mármol. El David de Miguel Ángel se alimentaba tanto técnica como mentalmente del David de Donatello. El tema era el mismo, pero sin el camino abierto por Donatello, el enfoque de Miguel Ángel a ese bloque de mármol podría haber sido diferente. Y en el periodo posterior Bernini también caminaron directa o indirectamente por el camino que siguió Donatello. Cada uno de estos nombres pasó a la historia con su propio genio. Pero detrás de todos ellos yacía el esfuerzo de un niño artesano criado en las calles estrechas de Florencia. Donatello nunca fue un niño de dinastía. Nunca recibió educación de corte. Llegó tan lejos con la herramienta en su mano y la piedra frente a él. Hoy quienes recorren Florencia pueden encontrar las huellas de Donatello en cada rincón de la ciudad. El David de bronce en el Bargello, el nicho de San Jorge en Orsanmichele, los coros de mármol en el Museo Ópera del Duomo y la María Magdalena en la Casa Bautismal, todos están dentro de la misma ciudad. Estas obras siempre hacen la misma pregunta. ¿Cómo pone una persona una vida tan real en la piedra o el metal? La respuesta a esta pregunta tal vez está aquí. Donatello en cada obra había buscado no el material, sino la persona dentro del material. Tallaba la piedra, pero en realidad revelaba el carácter. Esta respuesta se había dado en cada momento en que el cincel tocaba la piedra. Esa respuesta todavía está en pie hoy en los salones iluminados de los museos. Mira el rostro de los espectadores y continúa esperándolos. Todos los que se paran frente a las obras de Donatello sienten que se encuentran con una persona dentro de la piedra. Si les gusta descubrir este tipo de historias interesantes, no olviden suscribirse a nuestro canal. Compartan en los comentarios qué piensan sobre Donatello. En nuestro próximo vídeo contaremos la historia de otro nombre que dejó huella en la historia. Hasta pronto. Adiós.