Kouroi and Korai – the three sculptural currents of the Archaic period

Continuiamo a parlare dei Curoi e delle Corai, che vengono prodotti per tutto il periodo arcaico, con una maggiore concentrazione nel VI secolo a.C., e trovano diffusione in tutta la Grecia, ma con delle distinzioni tra un'area geografica e l'altra. Lo schema compositivo è sempre quello, che abbiamo visto nella precedente lezione, come pure le funzioni, le destinazioni d'uso, ma quello che cambia da un'area geografica all'altra è il differente modo di concepire, di elaborare le proporzioni dei singoli corpi umani, che sembra seguire le contemporane tendenze in ambito architettonico. Difatti qui vedete le denominazioni delle tre differenti correnti scultore di epoca arcaica. La prima, Scultura Dorica, si richiama all'Ordine Architettonico Dorico, che abbiamo visto nasce nel periodo arcaico, nel Peloponneso e nell'Etroterra Greco, per poi essere portato anche in Magna Grecia. Ecco, in questi stessi luoghi si diffonde un tipo di scultura dove si prediligono delle proporzioni massicce, corpose, esattamente come nelle colonne dell'Ordine Dorico. La scultura Ionica, invece, come dice il nome stesso, si diffonde negli stessi luoghi in cui troviamo l'Ordine Architettonico Ionico e come esso, riprende delle proporzioni più esili e snelle per la rappresentazione di Curoi e di Corai. Infine, l'ultima corrente scultorea è quella definita Attica, dal nome dell'Attica, che è una regione della Grecia, molto importante perché, la vedete qua, è la regione che ospita la città di Atene, quindi una regione piccola territorialmente ma molto molto importante. Qui si diffonderà uno stile scultoreo che prende un po' dei caratteri dello stile Dorico e un po' dei caratteri dello stile Ionico e li fonde insieme fino a creare una figura molto molto più equilibrata. Andiamo a vedere nel dettaglio i caratteri di ogni singola corrente scultorea, partendo da quella Dorica. Aiutiamoci con due Curoi, i più famosi del mondo Dorico, che insieme formano un gruppo scultoreo rinvenuto nel santuario di Apollo a Delphi, avente come soggetti Cleobi e Bitone, due fratelli leggendari legati ad una vicenda eroica terminata proprio all'interno di questo santuario. Essi rispecchiano gli ideali di forza, potenza e bellezza virile tanto cari al mondo Dorico. Hanno infatti delle proporzioni molto massicce ma allo stesso tempo tozze, perché come vedete la massa corporea prende il sopravvento sulla loro altezza. Nell'insieme vengono fuori delle figure molto squadrate e spigolose. Guardiamo ad esempio questi volti, non sono molto naturali, hanno più una forma quadrangolare e le varie parti che compongono il corpo, le braccia, le spalle, il busto, le gambe non sono molto armonizzate, compenetrate tra di loro. Si nota proprio lo stacco e il passaggio da una parte all'altra, quasi come in un manichino, frutto dell'assemblaggio tra più componenti. C'è nel complesso una mancanza di morbidezza, di naturalezza che viene fuori soprattutto nella definizione dei particolari. Guardiamo ad esempio in che modo vengono realizzati, vengono definiti gli addominali, non in maniera realistica, minuziosa, ma attraverso delle linee incise. In questo caso guardate questa linea che segue quest'andamento come se fosse una sorta di monticello, quindi vengono evocati, suggeriti gli addominali ma senza stare lì a rappresentarli in ogni suo loro piccolo particolare. La scultura ionica ci mostra invece qualcosa di diverso e lo vediamo attraverso il Curus di Milo, così chiamato dal nome dell'isola delle cicladi dove è stato rinvenuto. Qui l'altezza prende il sopravvento sulla massa e viene quindi fuori una figura rispetto alla scultura adorica molto più slanciata, molto più esile e molto più smella. È un corpo in sostanza più aggraziato, meno mascolino potremmo dire, ma in compenso più naturalistico nell'insieme perché le membra, i contorni sono più morbidi, non ci sono stacchi netti fra le varie parti anatomiche. Anche il corpo è più delicato, ha una forma più tendente all'ovale, non è spigoloso e squadrato come quello invece della scultura adorica. La scultura ionica si presta molto bene alla rappresentazione dei soggetti femminili e quindi delle corai. La più famosa core di ambito ionico è la cosiddetta Era di Samo, così chiamata perché proviene dal santuario di Era sull'isola di Samo che, ricordiamo, è il santuario che ospitava uno dei giganti ionici e rappresenterebbe niente meno che la Dea Era, la sposa moglie di Zeus. La statua in marmo purtroppo è acefala e manca il braccio sinistro che doveva recare in mano un oggetto, probabilmente un frutto attributo della divinità. Essa indossa un chitone che nella parte inferiore del corpo scende in maniera molto rigida senza delineare le membra sottostanti, assumendo una forma che sembra quasi un cilindro e non può non richiamare alla mente il fusto di una colonna che in questo caso si va ad aprire alla base per permettere un accenno dei piedi dei quali praticamente vediamo soltanto la parte anteriore e le dita. Questo chitone è increspato da un panneggio ottenuto attraverso delle sottilissime pieghe verticali che si dispongono fitte parallele una all'altra creando una spinta ascensionale verticale molto forte ma allo stesso tempo richiamando alla mente inevitabilmente le scanalature delle colonne greche, in particolare le scanalature molto più fitte delle colonne ioniche. Questa verticalità viene in qualche modo smorsata, mediata, interrotta dalla presenza di questi matrion, di questo mantello che innanzitutto ha un aspetto molto più morbido, infatti vedete che riusciamo ad intravedere le membra sottostanti, in particolar modo c'è un seno molto pronunciato. Anche questo mantello come il chitone ha un panneggio fatto di pieghe molto lineari ma si tratta di pieghe oblique che quindi vanno ad interrompere la verticalità delle pieghe del chitone, quindi in un certo senso vanno un po' a riequilibrare la figura che altrimenti sarebbe troppo ed eccessivamente slanciata. La parte posteriore invece è completamente liscia e legata, questo ci fa capire che la scultura era stata concepita o per essere addossata ad una parete o addirittura per essere inserita all'interno di una nicchia, per cui lo scultore che cosa ha fatto? Ha adoperato il criterio della pura visibilità, cioè ha rappresentato nei dettagli e con minuziosità solo la parte anteriore che è quella che praticamente sarebbe stata vista. Terminiamo con la scultura attica che cronologicamente entra in scena un po' dopo rispetto alla scultura dorica, alla scultura ionica. Come abbiamo già detto questo tipo di scultura è limitata ad un'area geografica che è quella dell'attica e rappresenta un caso assestante. Essa può essere definita come una sintesi tra lo stile dorico e quello ionico, riprende la volumetria, la massa corporea dello stile dorico ma lo unisce alla morbidezza e alla naturalezza tipiche dello stile ionico. Viene fuori così una scultura molto più equilibrata e molto più naturalistica. Quella che vedete qui è molto più armoniosa, quella che vedete qui è la cosiddetta Core con peplo che è un'opera che proviene dall'Acropoli di Atene ed è una delle Corai più note relativamente a questo periodo e qui la vedete sia nella sua versione originale che nella sua ricostruzione a colori perché approfittiamone per ricordare ancora una volta che nel mondo greco e poi in realtà anche nel mondo romano la policromia era parte integrante sia dell'architettura che della scultura. Purtroppo noi abbiamo un'immagine molto distorta della scultura e dell'architettura antica e di questa antica vivacità rimangono soltanto dei pochi pigmenti ancora presenti sulla superficie che però permettono di arrivare a ricostruzioni come questa. Concentriamoci un attimo sull'espressione della Core con peplo perché questa espressione è la stessa che troviamo impressa su tutti i e se tutte le Core del periodo arcaico, è un'espressione caratterizzata da un sorriso, un sorriso che oscilla un po' tra l'enigmatico e l'irriverente ed è stato ribattezzato come sorriso arcaico, sorriso arcaico perché è proprio il marchio di fabbrica di tutta la statuaria del periodo arcaico ed è ottenuto incrovando le labbra verso l'alto. Qual è il significato di questo sorriso? Ebbene in realtà non lo sappiamo con precisione. Storici dell'arte, archeologi, filosofi anch'essi sono più volte interrogati sul suo significato. Attualmente non c'è una spiegazione precisa ma due sono le principali interpretazioni che possiamo delineare. La prima è di carattere filosofica. Secondo questa interpretazione il sorriso arcaico sarebbe l'esteriorizzazione sul volto di una pace e di una serenità interiore che caratterizzava queste figure. Secondo una spiegazione di carattere tecnico invece il sorriso arcaico sarebbe il frutto di un esperimento fallito. Gli scultori hanno cercato di ricreare la naturale curvatura della bocca senza però riuscirvi perché anziché svilupparlo in maniera tridimensionale seguendo in profondità i lineamenti del volto l'hanno ridotta su un unico piano che è quello frontale semplicemente sollevando gli angoli delle labbra. Il sorriso arcaico da Prassi lo troviamo anche in quello che è considerato il capolavoro assoluto della scultura arctica cioè il Moschofors, letteralmente il portatore di vitello che vediamo in queste immagini. Scultura realizzata in marmo del limetto, non mi spaventate, limetto altro non è che il luogo dal quale questo marmo veniva estrapolato cioè un monte che si trova nell'attica. Questo kuros rappresenta un unicum nel panorama scultorio e arcaico perché rompe almeno in parte con il tradizionale schema compositivo. Innanzitutto il Moschofors non viene rappresentato solo e privo di attributi ma porta sulle spalle un vitello, un animale che lui Rombos figlio di Palos come viene ricordato dall'iscrizione sta per offrire in sacrificio alla dea Atena. Perché alla dea Atena? Perché questa scultura viene appunto dall'acropoli di Atene ed era quindi destinata a omaggiare questa divina. La presenza del vitello costringe il kuros a spaccare le braccia normalmente distese gli unghi fianchi e a portarle al petto per stringerne le zampe. L'altra particolarità è rappresentata dalla presenza di questa barba che conferisce un aspetto un po' più maturo alla figura rispetto a quella gioventù alla quale siamo stati abituati dai kuroi. Infine manca nel Moschofors l'annunità integrale perché indossa questo mantello, un mantello che veniva utilizzato durante le cerimonie e riti sacrificali. Questo mantello copre tutte le spalle poi scende, lo vediamo qui attraverso questi lembi più evidenti, fino a seguire la linea dei fianchi e continuare a scendere lungo le gambe. Ma questo mantello non appesantisce la sua figura soprattutto non va a nasconderne la bellezza esteriore, anzi è un tessuto molto leggero, aderente, che oggi definiremmo tessuto slim fit, quindi la muscolatura non solo non viene nascosta ma addirittura viene messa ancora di più in risalto. Nel complesso pur nella sua originalità il Moschofors non tradisce la tradizionale rigidità e frontalità dei kuroi, lo vediamo nelle braccia che estringendo le zampe dell'animale creano questo schema ad X, un incrocio che blocca fisse le figure, inoltre il volto dell'animale viene fatto roteare in modo da collocarsi perfettamente in asse con il volto e mantenere una perfetta simmetria e frontalità.