Tintoretto: The painter who revolutionized the Renaissance | Jacquemart-André Museum

Bonjour à tous, il y a des peintres que l'on admire pour leur maîtrise, et puis il y a ceux qui nous saisissent, nous déséquilibrent et nous entraînent dans leur propre vision du monde. Tintoret, je dirais, appartient à cette seconde catégorie. Du 11 septembre 2026 au 24 janvier 2027, le musée Jacques Marandré à Paris lui consacre une exposition remarquable intitulée Éternel Tintoret. Une quarantaine de peintures et d'œuvres graphiques venues tant de collections publiques et privées françaises ainsi qu'internationales permettent de parcourir l'ensemble de sa carrière, mais également de comprendre l'influence considérable qu'il exerça sur les artistes français du XIXe siècle. Et je dois vous le dire immédiatement cette fois-ci, cette exposition est une merveille absolue. Alors pour ceux et celles qui ne me connaissent pas encore, je suis Élodie Couturier, commissaire priseur, et j'ai créé cette chaîne pour partager avec vous mon regard sur les musées et les expositions, mais également pour vous faire découvrir l'histoire de l'art et mieux comprendre encore les coulisses de son marché. Alors si vous appréciez ce travail, n'hésitez pas à vous abonner à la chaîne si ce n'est pas déjà fait, mais vous pouvez encore aller plus loin, vous pouvez également soutenir directement la réalisation de nouveaux sujets en devenant membre de cette chaîne. Votre soutien me permet en effet de poursuivre cette aventure et de vous proposer encore des vidéos toujours plus riches avec, grâce à vous, une communauté qui dépasse maintenant 15 000 abonnés. Alors avant de parcourir avec vous cette exposition, revenons au Tintoret. Giacomo Robusti naît à Venise en 1518 ou 1519. Son père exerce le métier de teinturier, et c'est de cette profession que vient son surnom italien, Tintoretto, le petit teinturier. Giacomo Robusti deviendra pourtant l'un des peintres les plus puissants et les plus inventifs et les plus inclassables de la Renaissance. Il vivra et travaillera presque exclusivement à Venise, où il mènera une carrière d'une exceptionnelle longévité. Pour comprendre Tintoret, il faut d'abord le replacer dans le contexte, et vous savez que je m'intéresse toujours au contexte. Il faut en effet le replacer dans le contexte de la peinture vénitienne du XVIe siècle. A Florence et à Rome domine traditionnellement le disegno, le dessin, la ligne, la construction intellectuelle de la forme. Michel-Ange en est l'incarnation magistrale. A Venise, les peintres accordent une importance particulière au colorito, la couleur, la lumière, les vibrations de la matière picturale. Titien en est le maître incontesté. Tintoret ne choisit pourtant pas entre ces deux traditions, il veut les réunir. Son ambition aurait été d'associer le dessin de Michel-Ange à la couleur de Titien. Cette formule finalement résume parfaitement sa recherche. Donner aux figures la puissance culturelle de Michel-Ange, tout en conservant la richesse lumineuse et chromatique propre à la peinture vénitienne. Mais Tintoret ne s'arrête pas là, il va aller encore plus loin. Il bouleverse les perspectives, décentre les scènes, précipite les corps dans l'espace, il multiplie les diagonales et fait surgir la lumière au cœur même de l'obscurité. Ces tableaux ne donnent pas l'impression de représenter un événement déjà accompli. Ils nous placent au milieu de l'action, au moment exact où tout bascule. Giorgio Vasari, qui n'était pourtant pas toujours bienveillant et très tendre envers les peintres vénitiens, voyait en lui le plus terrible esprit que la peinture n'ait jamais connu. Terrible ici signifie au sens extraordinaire, de redoutable, presque indomptable. Des siècles plus tard, Jean-Paul Sartre écrivait que Tintoret allait trop loin. Et bien c'est justement ce qui fait son génie. Tintoret ne se contente pas en effet d'illustrer un texte biblique ou mythologique. Il le réinvente, il en déplace parfois le sens, en révèle les ambiguïtés et lui insuffle une intensité nouvelle. L'exposition nous en donne une démonstration tout à fait parfaite et éblouissante avec Suzanne et les vieillards, peintes vers 1555-1556. Le sujet est, comme vous le savez, emprunté à l'Ancien Testament. La vertueuse Suzanne, surprise au bain par deux vieillards, refuse leurs avances. Pour se venger, il l'accuse d'adultère et la condamne à mort. Elle ne devra son salut qu'à l'intervention du prophète Daniel. Mais Tintoret ne traite pas simplement Suzanne comme l'héroïne chaste du récit biblique. Étendue devant un miroir, entourée de bijoux et d'objets de toilettes, elle évoque aussi une Vénus à sa toilette. Le tableau finalement oscille entre le récit moral et la célébration de la beauté, mise en scène par un regard masculin. Les deux vieillards, eux, sont placés aux extrémités de l'espalier de roses. Ils observent Suzanne, mais leur regard organise également toute la composition et conduisent le nôtre vers elle. Finalement, la construction, si vous observez bien, est profondément dissymétrique. L'espace paraît se resserrer sous l'effet d'une perspective forcée, tandis que le corps de Suzanne, fortement éclairé, se détache du jardin ombragé. La chair devient lumière et dans cette confrontation silencieuse avec Titien et ses grandes figures féminines, Tintoret affirme toute la délicatesse de sa peinture, mais aussi son audace narrative. Une toute autre intensité se dégage de la déploration du Christ. Eh bien, la scène se déroule ici après la descente de la croix et avant la mise au tombeau. Pourtant, Tintoret supprime presque tous les repères habituels que nous avons l'habitude de voir en iconographie classique. L'arrière-plan s'efface et la perspective semble totalement abolie. Il ne reste que les corps, la matière, les couleurs et la lumière. La composition repose sur deux grandes obliques contraires, celle du corps du Christ et celle formée par les personnages qui l'entourent. La douleur ne se lie pas uniquement sur les visages, elle traverse véritablement tout le tableau. Elle se manifeste dans la tension des gestes, dans le déséquilibre des corps et dans la rapidité visible de la touche. Car le pinceau de Tintoret demeure apparent. Approchez-vous, nous avons la chance de pouvoir voir ces tableaux de près. La matière paraît vibrer sous nos yeux. Cette vivacité d'exécution porte un nom, c'est la prestezza. Elle ne signifie pas que Tintoret peignait sans réfléchir, ni préparait ses œuvres, bien au contraire, car les dessins présentés dans l'exposition montrent le contraire, l'importance de ses recherches. Mais lorsqu'il peint, l'énergie de l'invention demeure perceptible. La touche ne disparaît pas derrière l'image, elle participe au drame. La couleur, parfois éclatante, évoque tout à fait Véronèse. Le corps supplicié du Christ rappelle la puissance des piétas de Michel-Ange. Une nouvelle fois ici, Tintoret absorbe les leçons des plus grands pour créer un langage qui n'appartient qu'à lui-même. Cette audace apparaît également dans deux compositions mythologiques, initialement conçues pour le plafond d'une chambre nuptiale. Reprenons le contexte, un banquier avait commandé aux jeunes peintres un ensemble de 14 patenaux octogonaux inspirés des fameuses métamorphoses d'Ovide. À travers Orphée implorant Pluton et la chute de Phaéton, Tintoret évoque ici les conséquences des passions à contrôler, de la désobéissance et de la démesure. L'espace octogonal est ici contraignant, mais Tintoret transforme cette difficulté en force. Les corps sont représentés selon des raccourcis spectaculaires conçus pour être regardés depuis le dessous. Les figures tournent, chutent ou semblent surgir hors de la peinture. Pluton se déploie dans un mouvement presque théâtral face à Orphée, tandis que Phaéton bascule dans le vide et son corps se détache véritablement sur un ciel lourd. La lumière, encore une fois ici, renforce encore cette sensation de vertige et dans la scène d'Orphée, les flammes d'un enfer, empruntant davantage l'imaginaire chrétien qu'aurait si antique, enveloppent le personnage. Dès ses premières grandes réalisations, Tintoret apparaît ainsi comme l'un des artistes les plus novateurs du maniérisme vénitien. Le miracle de Saint-Augustin nous entraîne ensuite vers une dimension plus profondément spirituelle. Tintoret est encore jeune lorsqu'il réalise ce grand retable, qu'il a réalisé entre 1547 et 1549, pour l'hôtel de la famille Portogodi dans l'église Saint-Michelay de Vicenzé. Il représente un épisode peu connu de la légende dorée de Jacques de Voragine. Saint-Augustin apparaît à une foule de malades et d'estropiés qui attendent une guérison miraculeuse. Ici, la palette est volontairement restreinte, la lumière devient le véritable sujet du tableau et elle paraît émaner du sein comme si sa figure ne recevait plus la lumière, mais en était la source. A l'arrière-plan, les corps deviennent presque diaphanes, l'architecture religieuse qui ferme la perspective se transforme en vision fantomatique. Au premier plan, au contraire, les corps des malades sont denses, puissants et presque sculpturaux. L'un d'eux rappelle notamment le jour de Michel-Ange, sa main semble sortir de la toile et nous inviter à entrer dans l'image. Elle guide notre regard depuis la matérialité des corps, souffrant jusqu'à l'apparition lumineuse du sein. Ce mouvement ascendant peut se lire comme l'image d'un parcours spirituel, une élévation qui conduit de la condition terrestre vers une réalité visible. C'est ici que Tintoret devient à mes yeux bien plus qu'un extraordinaire metteur en scène. La lumière n'est plus seulement un effet pictural, elle donne une forme sensible au divin. L'un des plus grands mérites de cette exposition réside également dans sa muséographie. Il arrive que les chefs-d'œuvre présentés dans certaines expositions de ce musée soient étouffés par une accumulation excessive ou qu'ils souffrent d'un éclairage souvent très discutable. Eh bien ici, ce n'est absolument pas le cas. Les tableaux respirent, les couleurs, les clairs obscurs et les mouvements sont remarquablement mis en valeur. Le parcours accompagne notre regard sans jamais concurrencer les œuvres. C'est une véritable réussite et cette réussite est particulièrement importante pour Tintoret dont les peintures reposent précisément sur les contrastes de lumière, les apparitions et les surgissements. J'ai également beaucoup apprécié la dernière partie de l'exposition consacrée au regard porté sur Tintoret par les artistes français du XIXe siècle et cette ouverture tout à fait particulière permet de comprendre pourquoi il demeure un peintre aussi profondément moderne. Ingres entretient avec Tintoret une relation plus ambivalente, le vénitien constitue pour lui à la fois une référence et un contre-modèle. Les romantiques, eux, notamment Eugène Delacroix et Léon Cogné, admirent la puissance dramatique de ces compositions, leur mouvement et leur intensité expressive. Cézanne retrouve chez lui la liberté de la touche, la densité de la matière et cette tension permanente entre la construction et la dissolution des formes. Chacun semble donc avoir trouvé son propre Tintoret, le dessinateur, le coloriste, le peintre du mouvement, le dramaturge ou le visionnaire. Puis vient Manet. L'exposition s'achève sur un face-à-face merveilleux entre l'autoportrait de Tintoret, peint vers 1588 et conservé au musée du Louvre, et la copie qu'en réalisa Edouard Manet en 1854, aujourd'hui conservée au musée des Beaux-Arts de Dijon. Il est important de parler d'une copie, mais celle-ci révèle déjà le regard personnel de Manet. Chez Tintoret, le visage âgé émerge de l'obscurité, le corps s'efface presque entièrement, les yeux nous fixent avec une intensité grave et silencieuse. Ce n'est plus le portrait d'un homme socieux d'affirmer son statut. Tintoret ne montre ni attributs, ni richesses, ni décors. Il semble s'être dépouillé de ce qui n'était pas essentiel. Dans la version de Manet, la présence physique me paraît plus immédiate, plus directement humaine. Le cadrage et la matière picturale rendent hommage non seulement au maître, mais aussi à l'homme. Face à ces deux portraits, une pensée s'impose. Manet regarde l'homme Tintoret, tandis que Tintoret semble déjà regarder au-delà de lui-même. Entre les deux tableaux se dessine alors un véritable passage de l'humain vers le spirituel et peut-être de l'humain vers le divin. Cette confrontation clôme magnifiquement l'exposition Éternel Tintoret, qui trouve enfin une place particulièrement juste au musée Jacques-Marre André. Alors, Tintoret, au musée Jacques-Marre André, pourquoi ? L'hôtel particulier fut commandé en 1868 par Édouard André, héritier d'un des plus grandes fortunes du Second Empire, et qui forma avec son épouse, la portraitiste Nélie Jacques-Marre, un couple de collectionneurs passionnés. Tous deux réunirent un ensemble considérable d'œuvres d'art, avec un goût prononcé tout à fait pour l'art italien. Nélie Jacques-Marre poursuivit seule cette œuvre après la disparition de son mari. Présenter Tintoret dans cette demeure ne révèle donc pas d'un simple choix de programmation. L'exposition s'inscrit dans l'histoire et dans la vocation même du musée, au cœur d'une collection façonnée par l'amour de l'art italien. En sortant de l'exposition, ne manquez pas le café-restaurant Le Néli, installé dans l'ancienne salle à manger de l'hôtel particulier. À l'occasion de Éternel Tintoret, une offre de restauration inspirée par l'exposition est proposée. Lors de ma visite, un vendredi soir, la carte était toutefois plus restreinte et je n'ai pas pu goûter les plats thématiques dédiés à cette exposition. J'ai néanmoins pu prolonger la soirée par un moment très agréable, accompagné par un pianiste dans la cour principale. C'était une manière, finalement particulièrement douce, de revenir au monde après la puissance des tableaux de Tintoret. Cette exposition réussit quelque chose de rare, présenter ses chefs-d'œuvre tout en nous permettant réellement de les regarder de près. Elle restitue le génie d'un peintre qui a porté la peinture vénitienne à son sommet tout en ouvrant une voie vers la modernité. Un peintre de la matière et de la lumière, du corps et de l'esprit, de l'humain et du divin. Eternelle Tintoret au musée Jacques Marendré jusqu'au 24 janvier 2027, une exposition à ne manquer sous aucun prétexte, une merveille absolue. A bientôt sur Expertisé pour de nouvelles visites de musée et d'exposition !