鎮館之寶 【鎮館之寶】梵高博物館裏的必看之作

阿姆斯特丹以風景如畫的運河 歷史悠久的建築和豐富的文化遺產文明 它也是衆多世界頂級藝術品的聚集地 若你想出灘藝術領域 這裏便是絕佳之選 無論你的審美偏好如何 都能在此找到契合心意的藝術作品 今天我們將聚焦這座城市裏 三座博物館中的部分傑作 這三座博物館 分別是荷蘭國立博物館 梵高博物館和市立博物館 它們在地圖上緊密相連 共同坐落在博物館廣場之上 這裏館藏數千件藝術品 每年接待約500萬遊客 這片區域最初是一座風蠟蠟燭工廠 1883年國際殖民與出口博覽會 在此舉辦後 它逐漸聲名鑄起 迎來重大發展 博覽會結束後 大型博物館陸續在此興建 這裏慢慢成爲阿姆斯特丹的 藝術文化核心 兩年後 荷蘭國立博物館正式開放 博物館廣場這個名字 也從此固定下來 如今這片廣場綠樹成蔭 常以錯落 是一片寧靜之地 行人可在此駐足休憩 接下來我們前往梵高博物館 這座博物館專門展示 文森特 梵高及其同時代藝術家的 生平與作品 於1973年正式開放 收藏了全球數量最多的 梵高油畫與素描 館內共有200多幅油畫 500多幅素描 以及750多封梵高的書信 這些珍貴資料 能讓我們全面瞭解 他的藝術成長曆程與個人生活 1885年創作的《吃土豆的人》 色調暗沉 生動描繪了一個農民家庭 圍坐在餐桌旁的場景 梵高將這幅畫 是做對自己繪畫技藝的挑戰 希望藉此在巴黎藝術市場 展露頭角 儘管他在全身肖像創作方面 經驗甚少 卻特意選擇了複雜的構圖 以此證明自己正逐步成長 爲一名熟練的人物畫家 他希望畫面真實 呈現鄉村生活的艱辛 農民們面容粗糙 雙手因常年勞作而有黑 梵高曾說 他想通過這樣的刻畫 展現他們用雙手耕種土地 也用這雙手揭過盤中的土豆 這份食物 是他們用辛勤勞動換來的 畫中五個人物 均以大地色系爲主 原型來自多克羅特家族 母親科尼麗亞 她的孩子亨德里克 彼得 戈爾迪娜 還有科尼麗亞的妹妹 與兩個弟弟 他們住在一棟半獨立式小屋中 畫面裏的人物 包括科尼麗亞 她的妹妹 兩個弟弟 以及站在桌邊的 科尼麗亞的女兒 左側的兩位成年人 正從盤中拿土豆 右側的兩人則在倒咖啡 畫面色調雖暗 且看似單一 梵高卻用了豐富的色調變化 來實現這種效果 他將互補色按同等比例混合 通過色彩間的相互作用 增強飽和度 最終呈現出不同深淺的灰色 比如女人帽子的灰綠色 就是通過疊加不同顏色形成的 梵高希望用這種細緻的手法 在暗色調畫作中 營造出豐富的色彩層次 黑暗籠罩了畫面的許多細節 光源僅有一處 你或許已經注意到 左側牆上掛着一個時鐘 此時是晚上七點 正是晚餐時間 在那個年代 土豆是日常主食 一天中會以多種形式 出現在餐桌上 畫面裏的土豆是剛煮好的 我們甚至能看到 蒸汽從土豆上升騰 其他隱藏細節還包括 一隻裝滿餐具的木屐 以及廚師鍾外 牆上掛着的一幅宗教版畫 用於爲家庭祈福 有趣的是 椅子背面原本畫有文森特的字樣 但隨着顏料逐年老化變暗 如今已難以辨認 這幅畫是梵高與父母 住在荷蘭鄉村小鎮諾爾登創作的 那裏生活着許多農民與勞工 在完成最終版本前 他還畫了兩幅草圖 第一幅草圖中有四個人物 重點展現光影效果而非細節 第二幅草圖中 加入了第五個人物和更多物品 畫面也隨之變得更加豐富 儘管這幅畫 未能如梵高所願帶來成功 他卻始終沒有放棄 他甚至讓家人寄來 自己之前留下的農民題材素描 在五年後的1890年3月至4月間 重新繪製了農民圍坐餐桌的草圖 遺憾的是 由於他在當年7月不幸離世 這些草圖最終沒能轉化爲油畫 儘管梵高爲吃土豆的人 付出大量心血並寄予厚望 這幅畫在他生前既未參展 還因色調暗沉 人物比例不準確 遭到不少批評 但如今 它已被公認爲梵高最著名的作品之一 創作這幅畫兩年後 梵高在寫給妹妹的信中回顧道 我覺得自己在諾爾登畫的 吃土豆的人 終究是我最好的作品 1886至1889年間 梵高創作了超過30幅自畫像 佔其作品總量的很大一部分 由於經濟拮据 他常常以自己爲模特 這些數量衆多的自畫像 爲研究他藝術風格的演變 與心理狀態的變化 提供了獨特視角 不僅能追蹤他的外貌與藝術成長 還能窺見他在心理健康方面的掙扎 以及他對自我認知的不懈探索 其中一幅自畫像 是他在巴黎的最後作品 這座城市讓他身心俱疲 他在寫給妹妹威廉明娜的信中 這樣形容自己 額頭和嘴角滿是皺紋 身體僵硬的像塊木頭 紅鬍子凌亂不堪 神情滿是悲傷 當時的巴黎是藝術與文化的中心 梵高在這座城市 接觸到的心計法與心理念 對他的藝術發展影響深遠 儘管從流派上看 他屬於後印象派 但他對色彩與形式的實驗 正是始於在巴黎 接觸印象派作品之時 他深受印象派技法的啓發 尤其是他們對破碎色彩 短筆觸 一種營造動感技法的運用 以及他們選擇的創作主題 1888年創作的畫家自畫像中 梵高手持調色板與畫筆 身後立着畫架 這一形象彰顯了他的藝術家身份 而這份身份對他而言 並非總能輕鬆擁有 他的目光直接而銳利 透露出對藝術的堅定與熱忱 他身着藍色工作服 背景簡潔樸素 通過明亮且幾乎不混合的色彩 他展現了自己 作爲現代藝術家的創作風格 仔細觀察會發現 他刻意運用了互補色搭配 紅與綠 黃與紫 橙與藍 他將這些顏色並置 通過色彩間的對比 增強彼此的飽和度 比如藍色工作服與橙紅色鬍子 形成的鮮明反差 兩年前 他也曾畫過一幅 類似的自畫像 但風格差異巨大 早期作品色調柔和 以棕 黑 灰爲主 氛圍更爲陰鬱 色彩運用也遠不如後來鮮活 在樊高的創作生涯中 這幅自畫像 不僅是他對藝術家身份的 認可與慶祝 也體現了他對 獨特藝術風格的探索與完善 正是這種風格 讓它成爲藝術史上 家喻戶曉的名字 樊高1889年創作的《向日葵》 或許是他最廣爲人知的 作品之一 這些鮮豔的花朵 幾乎成了他本人的象徵 1888年在巴黎時 樊高受到印象派作品的啓發 決定在畫作中加入更多色彩 對他而言 創作花卉靜物畫 有兩個重要意義 一是能讓他大膽實驗色彩運用 二是當時這類作品 很受市場歡迎 他也希望能賣出自己的畫 他在巴黎完成了 第一幅《向日葵》作品 荷蘭畫家保羅·高庚 對這些作品讚不絕口 這樣樊高深受鼓舞 當時樊高剛剛結識高庚 並對他十分敬重 因此高庚的認可 讓他確信自己 走在了正確的藝術道路上 1888年離開巴黎 定居法國南部的阿爾勒後 他繼續創作《向日葵》系列 在寫給弟弟提奧的信中 他寫道 我畫《向日葵》的熱情 就像馬賽人 吃普羅旺斯魚湯一樣濃烈 當主題是畫大幅《向日葵》時 你完全能理解這份熱情 他一共創作了五幅大型 花瓶《向日葵》油畫 以此證明即使是同一主題 也能通過無限變化 展現強大的表現力 儘管基礎色調不變 他仍在色彩 紋理與筆觸上 不斷嘗試新的可能 當樊高得知 高庚要去阿爾勒拜訪他時 他特意畫了多幅《向日葵》 近物畫來裝飾高庚的臥室 這幅畫便是其中之一 高庚看到這些作品後 稱它們完完全全是樊高的風格 這幅畫是三連畫的一部分 兩側各有一幅《向日葵》 中間是搖搖籃的女人 樊高創作這幅肖像畫 是爲了致敬聖母 象徵溫柔的母親形象 《向日葵》鮮豔的黃色 讓中間肖像的色彩更加突出 樊高認爲 整個三連畫象徵着感恩 畫面中央 一隻樸素堅固的陶罐 放在木桌上 從中綻放出一束 約15朵《向日葵》 花朵處於不同的生命階段 有的盛開 有的枯萎 畫面以明亮的黃色爲主調 但包含多種深淺不一的黃色 從深金到近白 花晶和葉片的綠色 以及簽名和一朵花中心的淡紫色 爲暖色調提供了冷色平衡 讓整個構圖更顯和諧統一 畫布背面可見樊高 在頂部定了一根木條 或許是爲了給花朵 留出更多展示空間 他的《向日葵》系列 爲他死後的聲譽奠定了重要基礎 這些作品不僅是感恩的視覺表達 更讓他得以傳遞 對生活中簡單美好事物的崇敬 以及美的變革力量 1889年創作的《麥田裏的收割者》 描繪了烈日下 在聖雷米麥田中勞作的收割者 聖雷米是阿爾勒附近的一個小村莊 當時樊高因心理健康問題 多次陷入危機 主動住進了當地的聖保羅德莫索勒精神病院 這個新環境雖然距離阿爾勒僅25公里 卻有着截然不同的風景 他坐落在阿爾皮耶斯山路 這位樊高帶來了新的創作靈感 這幅畫是他在醫院房間裏完成的 因爲最初幾個月 他未被允許離開醫院範圍 從帶鐵欄的窗戶向外望去 他看到了在烈日下勞作的收割者 收割者是畫面的焦點 它幾乎與周圍金色的麥浪融爲一體 樊高用厚重的黃色顏料描繪起伏的麥田 通過圓形和直線筆觸營造出動感 遠處山脈的冷色調 爲烈日的炙熱帶來一絲清涼 對樊高而言 麥字象徵着自然的永恆循環 而收割者則是死亡的象徵 在這個意義上 人類就像被收割的麥子 但他也補充道 這種死亡幾乎是微笑着的 正如樊高在畫布上所呈現的 將死亡置於意識之中 並非讓它充滿否認帶來的壓抑 而是賦予它豐富的生命力 與死亡和解 將其視爲生命冒險的美麗終點 樊高至少創作了十四幅 1889年6月底 他完成了第一版《麥田裏的收割者》 我們現在看到的這一版採用了厚塗法 即將顏料厚重地覆蓋在畫布上 收割者僅用幾筆藍色勾勒 幾乎與周圍的黃色麥田難以區分 他的鐮刀也只是一條几乎看不見的線 這或許反映了樊高對生命有限的恐懼 第二版作品的黃色調更淡 太陽在淡綠色天空中位置更高 樊高還在畫面左側邊緣附近的山坡處 添加了一棵小樹 並移除了前景中的麥堆 這幅畫既濃縮了樊高的個人掙扎 也彰顯了他的藝術能力 即便身處困境 他仍能發現並描繪出周圍世界的深刻之美 博物館廣場爲人們欣賞跨越歷史的藝術傑作 提供了無與倫比的機會 這些博物館不僅收藏了大量藝術作品和珍貴文物 還讓我們得以全面瞭解荷蘭乃至世界的文化與歷史 浮游遠方 靜觀世界 我們下一站見